Jazzques

C’était à la fin de l’année dernière. Stéphane Galland allait fêter avec ses vieux complices, les 20 ans d’Aka Moon. Mais ce soir-là, dans un bar près du Sablon, c’est de son premier album que nous parlerons : LOBI.

L’interview est à lire sur Citizen Jazz.

Et LOBI sera à voir sur les scènes de Jazz à Liège et du Paris Jazz Festival… Ne ratez pas ça.

A+

L'excellent guitariste Nguyên Lê sera en concert au Festival d'Art Huy ce 19 août.

Un concert qu'il ne faudra pas manquer si vous aimez le jazz, le rock et les musiques ethniques. Il a sorti chez ACT Music le très bon album ("Songs Of Freedom") qui mélange allègrement et intelligement quelques-uns des morceaux emblématiques du rock et de la pop (Led Zeppelin, The Beatles, Janis Joplin, Iron Butterfly ou encore Stevie Wonder) avec les musiques indiennes, vietnamiennes ou nord-africaines. Une réussite ! Bien loin des clichés "habituels".

Lors de son passage à l'Espace Senghor à Bruxelles, j'ai eu l'occasion de le rencontrer.

Il y a eu “Purple”,  il y a eu aussi, avant et après, des projets basés plus spécifiquement sur la musique vietnamienne … Peut-on dire que “Songs Of Freedom” est la suite de “Purple” ou bien est-ce une parfaite fusion entre rock, jazz et musique asiatique?

Il y a eu des tentatives avant “Purple”. Mais c’est vrai que “Purple” a été déclencheur. Il y avait longtemps que je voulais travailler sur la musique de Jimi Hendrix. J’y pensais déjà en '93, avec le groupe que j’avais à l’époque.

Ultramarine?

Non, non, c’était après, avec Richard Bona, avant qu’il ne devienne la star qu’il est devenu. Je m’intéressais à l’énergie du rock. J’ai toujours adoré ça et je voulais développer cet élément. D’ailleurs, c’est quelque chose que j’ai toujours essayé de garder dans ma musique, quel que soit le projet. Au départ, c’était pour jouer, pour la joie que cela procure sur scène, la joie de sentir le “retour" du public. Puis, il y a le passage au disque. Et pour cela, il faut plus que du plaisir, il faut du “concept”. Ce concept, je l’ai découvert avec une version de “Voodoo Chile”. Il y avait une lecture ethnique, une lecture africaine sur un morceau rock. Je voulais relier plein d’éléments avec le morceau original. Autant par le texte que par la musique. Relier tous les symboles qui sont transportés par l’histoire d’Hendrix. Il était assez naturel, pour moi, de faire le rapport entre la transe Gnawa et la transe d’Hendrix. Pour moi, Hendrix a toujours été ne musique de transe. Et c’est comme cela que j’essaie de la jouer d’ailleurs. J’ai poussé le concept de cette fusion jusqu’à traduire les paroles d’Hendrix en Bambara. J’ai aussi invité le musicien algérien Karim Ziad pour jouer les percus. J’ai gardé l’énergie rock et l’esprit d’ouverture et d’improvisation typiquement jazz. Mais cela, c’était seulement pour un seul morceau. Et j’aimais ce concept et je voulais le pousser plus loin. Puis, Siggi Loch, le patron de ACT Record m’avait demandé de faire un deuxième volume sur la musique d’Hendrix. Alors, j’ai commencé à travailler, et puis j’ai réfléchi et je me suis dit que je ne devais pas me limiter à Hendrix. J’étais très excité d’aller voir plus loin, avec d’autres morceaux rock.

Est-ce une musique qu’il a fallut “réinventer” cette musique ? Car  ce mélange “ethnique” n’est peut-être pas toujours aussi évident que dans “Voodoo Chile” ou dans la musique d’Hendrix en général ?

Oui. Mais au départ, avec le projet Hendrix, il y avait aussi une idée de “simplicité” volontaire. L’idée n’était pas de réécrire des choses, de les re-arranger. A l’opposé, dans “Songs Of Freedom”, j’ai voulu pousser le côté écriture beaucoup plus loin. Et ce groupe est,  pour moi, comme un mini Big Band. C’est pour cela que j’avais besoin d’un instrument harmonique, comme le vibraphone, par exemple. Ce que joue Illya Amar est très écrit. Cela n’en a peut-être pas l’air, mais c’est assez précis. Et le vibraphone donne une autre couleur que le piano ou le synthé ! Cela donne une lumière, une certaine clarté à l’ensemble

Pourquoi ne pas avoir voulu créer un groupe très rock dans l’instrumentation de base et jouer la couleur avec différents invités ?

C’est un peu la démarche que j’avais faite avec “Purple”. Sauf que je ne chante pas et qu’il me paraissait essentiel qu’il ya ait du chant dans ce projet. Donc, par rapport au quartette de “Purple”, j’ai ajouté une couche harmonique.

Tu as revu aussi le line-up du groupe par rapport à « Purple », il y a des raisons particulières ?

Disons que Stéphane Galland et Linley Marthe sont des musiciens qui ont fait partie de la dernière génération de mon groupe Hendrix. On a beaucoup tourné la musique d’Hendrix avec cette rythmique-là. Et comme ça marchait très bien, qu’on était sur la même longueur d’onde au niveau de l’énergie, on a continué.

Pour revenir aux morceaux, comment as-tu procédé pour le choix, selon quels critères, quelles idées ?

Il y a plein de morceaux qui sont venus naturellement, car c’étaient des morceaux que j’adorais quand j’étais plus jeune. Je dirais même que  ce sont des morceaux qui m’ont fait aimer la musique. C’est la première musique que j’ai écoutée. Avant cela, je n’avais même pas le goût de la musique.

Oui, il me semble avoir lu cela quelque part. Tu t’es mis à la musique assez tard, vers quinze ans, ce qui semble assez incroyable.

Oui, peut-être. Le vrai groupe qui m’a fait aimer la musique c’est Deep Purple. Mais quand j’ai réécouté leur musique dans l’idée de la travailler pour "Songs Of Freedom" cela ne m’intéressait plus du tout. Led Zeppelin, par contre, je l’ai redécouvert. J’aimais déjà ça à l’époque, mais pas à ce point. Pas comme maintenant.

Pour quelle raison Led Zep' est-il plus intéressant ? Il y a plus de richesses harmoniques, ou  rythmiques ?

C’est beaucoup plus créatif. C’est resté super moderne. Et quand on écoute les enregistrements live, on se rend compte qu’ils improvisent de façon monstrueuse. Comme des jazzmen. Ce qui était très beau à l’époque, même s’il y avait une différence entre le jazz et le rock, c’est que les rockers improvisaient. Et pour Hendrix ou Clapton, bien sûr, c’était monnaie courante. Et Led Zep' allait dans le même sens.

Reprendre des thèmes rock et improviser dessus est parfois très casse-gueule. On ne va pas donner d’exemples, mais on en connait. Il faut trouver de l’espace pour improviser. C’est difficile ? Moins évident que sur des standards de jazz, par exemple ?

Pour moi, ce n’et pas spécialement difficile. C’est à dire que j’ai comme première attitude de respecter le morceau. Je ne cherche pas du tout à le dénaturer, à le détruire ou le rendre méconnaissable. J’essaie toujours d’être complètement relié au sujet de départ. Comme pour Hendrix et "Voodoo Chile". Ceci dit, une fois que j’ai trouvé mon point de vue, je développe très loin le travail qui peut paraitre parfois assez éloigné du matériau original. Mais l’esprit est présent, c’est la même chanson, les mêmes paroles. En fait, il s’agit plutôt d’une histoire de couches. Et je m’aperçois que je fais ça tout le temps. Ça fait des années que je m’amuse à réécrire de la musique sur de la musique qui existe déjà. J’écris de la musique sur des musiques qui n’ont pas besoin de moi, finalement. Et ces musiques, ce sont autant celles d’Hendrix que la musique Vietnamienne ou que la musique du Maghreb. Tous ces morceaux traditionnels - et on peut y inclure Hendrix ou Led Zep' sans problème – ce sont des diamants en eux-mêmes. Je veux qu’ils restent des diamants. Par contre, je veux me les approprier, avec le rêve que j’aurais pu les écrire moi-même (rires). C’est un rêve, il ne faut pas prendre ça au premier degré !

Pour chacun des morceaux, tu as conçu des arrangements aux influences différentes: une fois c’est le Vietnam, une fois l’Afrique, l’Inde…  Y avait-il une idée bien précise derrière chaque morceau ?

Absolument. Une fois encore, il s’agit de trouver un point de vue initial précis pour commencer l’arrangement.

Qu’est ce qui fait que tu décides de traiter tel morceau sur un raga ou sur un rythme africain ?

Je pense que les raisons sont spécifiques aux morceaux. Si l’on prend “I Wish”, que j’ai voulu en version “Bollywood”, c’est parce que ça groove déjà monstrueux au départ. Je ne pouvais pas en faire une ballade. Même si c’est un truc facile de jazzmen: prendre un morceau rock et le ralentir, en faire une version sobre et dépouillée. Et ça marche bien.  Mais moi, je voulais garder une version groovy. Et je voulais que cela corresponde à ma personnalité et que cela parle aux gens de ma génération, à ceux qui, comme moi, sont dans ce monde métissé. J’ai réfléchi aux musiques ethniques qui groovent et qui ont un côté joyeux et un peu clinquant… Il fallait que cela corresponde au morceau original qui, lui aussi, est très joyeux, presque bling-bling. "In A Gadda Davida" est un morceau que j’ai beaucoup écouté dans mon adolescence. Quand on écoute ça, c’est pop, mais déjà très oriental. Mais c’est de l’orientalisme psychédélique d’époque. J’ai simplement repris le petit interlude qui ne dure qu’une ou deux mesures sur le morceau original, que j’ai juste exploité. Je l’ai allongé et cela a inspiré tout le reste du morceau.

Quel morceau a été l’élément déclencheur du disque ?

Au départ, il y avait "Voodoo Chile", qui était le morceau fondateur, comme je l’ai dit. Mais “Eleanor Rigby” est venu assez vite. Puis “Black Dog” ! Que je voulais absolument faire avec Dhafer Youssef. C’était impossible de passer à côté, c’est mon Robert Plant !!

Il y avait donc aussi l’idée de choisir des voix spécifiques suivant les morceaux. Comment les as-tu choisi ?

C’était moins simple, en effet. Il faut dire que, au départ, j’avais l’idée de traduire les paroles dans les langues appropriées aux arrangements. Comme je l’avais fait avec "Voodoo Chile". Je voulais pousser l’idée ethnique jusqu’au bout. En vietnamien ou en turc, cela aurait été super. Mais je me suis vite aperçu que je n’avais pas vraiment le droit de faire ça. Cela aurait été assez problématique au niveau juridique. J’ai oublié ça et les choses sont venues assez naturellement. Puis, certaines voix sont arrivées au dernier moment, comme Youn Sun Nah. Je cherchais la “bonne chanteuse” pour "Eleanor Rigby". Mon arrangement était asiatique et j’avais pris des contacts avec une chanteuse indienne qui habite en Californie. Mais c’était compliqué à mettre en place. Je me suis aperçu qu’il fallait que j’arrête d’aller chercher des inconnus que je n’avais entendu qu’une seule fois. L’idée était excitante, mais difficile à réaliser. Il fallait quelque chose de plus simple et naturel au niveau de la relation. Alors, comme je participais, à l’époque, à l’élaboration du disque "Same Girl" de Youn Sun Nah - pas en tant que musicien mais en tant qu’ingénieur du son – je l’ai entendu chanter "Enter Sandman", un morceau de Metallica. J’ai craqué et je me suis dit que c’était elle qui allait chanter “Whole Lotta Love”.  Et puis, il est devenu évident que c’est elle qui allait chanter "Eleanor Rigby".

Par contre, sur scène, tu ne peux pas emmener tous les chanteurs. Tu as dû faire un choix, là aussi. Cela n’a pas dû être facile.

En effet, il y a eu le concert au New Morning, pour la sortie de l’album où tout le monde était présent. C’était fabuleux. Mais, en effet, je ne peux pas faire ça tout le temps. Mais Himiko Paganotti est parfaite pour reprendre le rôle de chacun, et le sien, sur scène. Elle a un talent fou. Bien sûr, elle ne va pas chanter comme Dhafer, Julia Sarr ou David Linx. Mais le disque, une fois encore, c’est une chose et le live en est une autre. Et ce qui est intéressant, en live, c’est que le groupe prend possession de la musique. Au début, je suis le chef - simplement parce que j’ai écrit tout ça - alors on me suit. Mais très vite, chacun connait la musique par cœur et se l’approprie. Elle revit. On développe autre chose, une énergie qui se renouvelle sur scène. C’est le sens de l’improvisation.

Tu essaies aussi, à chaque projet de renouveler, en grande partie, tout le personnel. C’est pour garder de la fraîcheur de la spontanéité ?

C’est une volonté, par rapport à chaque disque, d’essayer de nouvelles choses. La vie est très courte, j’ai plein d’idées. Depuis que je fais des disques sous mon nom, je me dis qu’il faut que cela en vaille la peine, que je trouve quelque chose à dire. Chaque disque a un sens et je déteste me répéter. Surtout sur disques. Et j’essaie de faire un peu le contraire du disque précédent. Je ne vais sans doute pas faire un disque “rock” après ce “Songs Of Freedom”, c’est sûr. Comme l’album que j’avais fait juste avant celui-ci, "Saiuky", qui était très acoustique et joué avec des musiciens vietnamiens traditionnels.

Merci à Jos L. Knaepen pour les photos.

 A+

Début de l’année, Sal La Rocca, l’un des contrebassistes belges les plus demandés sur la scène jazz, sortait son deuxième album personnel chez Igloo. Après «Latinea» en 2003, voici «It Could Be The End», titre énigmatique qui, plutôt qu’une fin, pourrait être le début d’une belle aventure. L’album est lumineux et extrêmement bien balancé. Un véritable disque de jazz actuel, qui mêle le passé et le présent et dans lequel Sal, entouré de Hans Van Oosterhout (dm), Lorenzo Di Maio (eg), Pascal Mohy (p) et Jacques Schwarz-Bart (ts), donne le meilleur de lui-même. Il y a du swing, du groove, de la force et de la tendresse. Allez écouter le sensuel "Bluemondo", l'envoutant "Lazy Lion" et les solides "Osuna" et "It Could Be The End"... Autant dire qu’on a hâte de voir tout ce beau monde sur scène.

En attendant, je me suis retrouvé un dimanche après-midi face à ce musicien "entier", aux idées bien affirmées.

Ton dernier disque s’appelle “It Could Be The End”. C’est sans doute la question que tout le monde te pose mais, n’est ce pas un titre un peu pessimiste?

(Rires) Oui, il y a même des gens que cela dérange. Mais, voilà, j’avais composé ce morceau et il fallait bien lui trouver un titre. Parfois on trouve le titre avant, parfois après. Et là, j'étais dans ma chambre, j’ai levé les yeux, j’ai regardé autour de moi et je me suis posé la question que tout le monde se pose presque chaque jour : ”Est-ce que tout cela va durer?”. Et c’est vrai que ce morceau a quelque chose d’un peu chaotique et d’incertain, surtout sur la fin. Mais le titre est plutôt optimiste pour moi, il va plutôt dans le sens du “renouveau”. Même si l’album est sorti en 2012, il n’y a pas de rapport avec la fin du monde qui est prévue pour 2012… Ça, je n’y suis pour rien (rires).

Quand a-t-il été enregistré ?

L’année dernière, au mois d’août. Mais cela a pris un temps fou avant sa sortie car je voulais – et cela, personne ne le sait – intégrer une reprise d’un titre d’ABBA chanté par Dani Klein de Vaya Con Dios. On l’a même enregistré. C’était vraiment bien. Mais quand j’ai demandé la permission de l’utiliser, on me la refusée. On a pourtant essayé et demandé à plusieurs reprises, mais il y a toujours eu un refus. Il faut s’appeler Justin Bieber pour pouvoir faire ça, sans doute.

Comment as-tu formé le groupe, et pourquoi avoir choisi ces musiciens-là ? Quels étaient tes critères?

Hé bien, je me plains souvent, ça, tout le monde le sait (rires). Je pense que beaucoup de musiciens sont des professeurs avant d’être des musiciens. Mais ce n’est pas de leur faute, certains sont obligés de faire ça, c’est le «système» qui veut ça. Moi, je voulais des musiciens qui avaient surtout, et avant tout, un véritable esprit jazz. Alors, j’ai appelé mon vieux pote Hans Van Oosterhout, que je connais depuis plus de vingt ans. Et puis j'ai pensé à Pascal Mohy, que j’ai appris à connaître et qui a une oreille et un esprit monstrueux. Ensuite, il y a eu Lorenzo Di Maio, pour ce même état d’esprit. Et enfin Jacques Schwarz-Bart... pas la peine de dire pourquoi.

L’envie d’intégrer un sax, celui de Jacques Schwarz-Bart en particulier, était claire et précise dès le début de l’écriture ?

J’avais enregistré avec Jacques sur l’album d’Olivier Hutman en 2005. On s’est lié d’amitié et on a joué ensemble plusieurs fois par la suite, sur ses projets ou sur les miens. J’ai donc pensé à lui, car il a un super esprit et une façon de jouer à la fois très roots et très moderne. Mais je n’avais pas écrit mes morceaux en pensant à lui spécialement. Il se fait que mes compos étaient écrites depuis un petit bout de temps déjà et j’ai fait coller les musiciens à la musique ce que j’ai écrite.

Tu avais également l’idée d’introduire une guitare aussi ? Celle de Lorenzo en particulier ?

J’avais de toute façon l’idée d’une guitare. Apparemment, je ne sais pas me passer d’une guitare. Il y en avait déjà deux sur mon album précédent, celles de Peter Hertmans et Jacques Pirotton. Je crois que cela me tient à cœur. Mais je ne voulais pas reprendre les mêmes, puisque lorsqu’on a décidé de changer, il faut vraiment changer. J’ai pensé à Lorenzo parce qu’il a un petit truc différent. Je ne dis pas qu’il a quelque chose en plus, mais quelque chose de différent. Et puis, en plus, il est à moitié sicilien comme moi (rires).

Quand vous avez commencé à jouer tous ensemble, la musique a-t-elle encore évolué dans une certaine direction ou tu avais une vision bien précise de ce que tu voulais ?

J’avais plus ou moins un schéma précis. Mais, disons que je ne suis pas un leader au sens stricte du terme. C’est un peu comme si je m’engageais dans mon groupe, plutôt. Le leader, c’est la musique. Et puis, je suis très ouvert  pendant un enregistrement. Alors, en effet, des choses ont changé au cours de l’enregistrement, mais il ne s’agissait pas de choses fondamentales. L’ossature était assez solide.

Tu laisses, en effet beaucoup de libertés aux musiciens et tu fais même jouer du Fender à Pascal Mohy…

Absolument. C’est vrai qu’il est “très piano”, mais il a un Rhodes chez lui, il en joue de plus en plus et puis, parfois, quand il n’y a pas de piano dans un club, il faut trouver des solutions. Mais cela apporte surtout une autre couleur et enrichit certains morceaux. Et quand j’ai demandé à Pascal de jouer cet instrument, il a accepté très vite. C’est vrai que je ne suis pas un contrebassiste qui se “met en avant”.  J’aime cette place de sideman, c’est vrai. C’est déjà tout un monde en soi. Donc, si je fais un disque, j’aurais tendance à garder le même rôle. Ce ne sera pas un disque de contrebassiste avec des soli interminables. De plus, je ne me considère pas comme un virtuose. J’essaie plutôt de partager mes expériences dans ce disque. Et si je dis que je ne suis pas leader, il s’agit quand même de ma musique. Elle est représentative de ce que je suis. Je suis le propriétaire des morceaux, si on peut dire, mais les portes sont toujours ouvertes aux bonnes idées.

Tu composes depuis longtemps?

Non, cela est venu assez tard. Après avoir acquis une certaine expérience.

Le fait d’avoir été sideman de Toots, de Jacques Pelzer, de Nathalie Loriers pendant longtemps, d’Anne Ducros, de Vaya Con Dios - la liste est très longue - a-t-il fait évoluer ta façon de jouer ou de concevoir la musique?

Tout à fait. J’ai accompagné pas mal de musiciens belges, au départ, comme Nathalie Loriers ou Diedrik Wissels et puis plein d’étrangers aussi. Il y a donc l’expérience qui s’acquiert au fil des ans, on finit par comprendre les choses. Mais il y a quelque chose d’innée aussi, je l’avoue. Lorsque j’ai composé les morceaux de mon premier album, en 2003, c’étaient des premiers jets et pourtant, Eric Vermeulen me disait que cela tenait debout, que c’était cohérent, qu’il y avait tout ce qu’il fallait. Il n’y avait pas de quoi crier au génie, certes, mais il y avait la structure pour raconter une histoire du début à la fin.

Tu as appris tout ça sur le tas. Tu es un parfait autodidacte.

Plus autodidacte que moi, ce serait difficile.

Cela permet d’apprendre d’une certaine façon ? Actuellement, on apprend beaucoup dans les conservatoires, les académies… Toi, c’était plus la méthode traditionnelle, dirons-nous. Tu sens, chez les jeunes, une manière différente de jouer ou d’appréhender le jazz par ceux qui ont fait le conservatoire et les autres ?

Oui, il y a une grosse différence. Mais certains arrivent à posséder les deux styles. C’est à dire qu’ils connaissent les bases et ont, en même temps, une personnalité très forte. Car le gros risque, à mon avis, c’est d’avoir un même professeur pendant cinq ans et de sortir de là en étant le clone de ce professeur. C’est ce qui arrive dans soixante pour cent des cas. Quand j’entends des jeunes qui sont sortis du conservatoire, je peux dire rapidement avec qui ils ont eu cours. Cela peut être problématique car une des qualités premières d’un musicien est de le reconnaître dès les premières notes.

A moins d’être un prodige, cela se définit avec les années, qu’il y ait conservatoire ou pas, non ?

Oui c’est sûr. Mais il faut aussi savoir ce que l’on veut dans la vie. Espérer que cela te tombe tout cuit du ciel ou chercher toi-même ta personnalité. En ce qui me concerne, je n’ai pas cherché pour chercher mais, en jouant concerts sur concerts, j’ai appris. Et toujours de manières différentes. Pendant un moment, j’étais beaucoup chez Jacques Pelzer à Liège, parce que j’habitais à quelques centaines de mètres de là, et j’ai vu défiler un maximum de jazzmen avec qui j’ai eu la chance de jouer. Et pas des moindres. Ça c’est une chance.

Dans ces moments-là, est-ce que ces jazzmen te demandaient de jouer d’une certaine manière ?

Je débutais à l’époque, je n’étais nulle part. Je n’avais aucun background. Je jouais comme je le ressentais, avec mon propre et mince bagage. Avec beaucoup d’instinct, surtout. J’écoutais les conseils de Steve Grossman, Dave Liebman, John Thomas, qui passaient souvent là-bas, de Steve Houben aussi, qui m’a mis définitivement le pied à l’étrier. Je dois beaucoup à tous ces gens. Et puis, Jacques Pelzer me disait souvent des petites phrases qui n’avaient pas l’air d’être importantes et pourtant… Par exemple : “Play simple and strong”. Ça à l’air con, mais il faut garder ça en tête. Quand on est un peu busy, on pense à ça, on se calme et on y va. Ce sont des conseils en or.

Tu appliques ça aussi dans tes compositions ? Tu essaies de garder un fil conducteur plutôt que de te laisser tenter à faire compliqué pour faire compliqué ?

Le premier disque était peut-être un peu dans cette veine là. C’était peut-être un challenge pour moi, pour me prouver que je pouvais faire « sophistiqué » aussi. Quand tu écoutes certains jazzmen belges, il faut se lever tôt pour comprendre quelque chose. A l’époque, j’étais un peu dans ce mouvement-là, dans cet esprit-là. Mais en même temps, il y avait du lyrisme. C’est mon côté méditerranéen… un peu blanchi… car je suis né ici (rires). Mais il y avait des choses intéressantes que j’ai gardé pour la suite. Et dix ans après, pour ce nouvel album, j’en ai tiré les leçons. “It Could Be The End” est aussi simple que complexe, mais toujours accessible. Je trouve, bien sûr, qu’il est beaucoup plus réussi. Là, j’ai l’impression d’avoir fait quelque chose qui pourrait marquer.

A quoi fais-tu le plus attention? Aux harmonies, aux mélodies…?

Pour moi, c’est surtout la mélodie qui prime. Ce qui me tenait à cœur, le challenge que je m’étais fixé, c’était de relier l’émotion et le cérébral. Car il y a inévitablement des trucs  parfois un peu complexes dans ma musique. Mais je voulais des mélodies que l’ont puisse presque siffloter.

Tu composes de quelle manière ? A la table, avec ta contrebasse, au piano?

A la guitare. J’étais guitariste de rock, de hard rock même, avant de me mettre à la contrebasse et au jazz. C’est donc plus naturel pour moi de chercher des accords et des mélodies à la guitare.

Tu n'as jamais été tenté de passer à la basse électrique?

Si parfois. De temps en temps, je m’y adonne puisque avec Vaya Con Dios, je joue aussi de la basse électrique. Mais, si je devais reprendre la guitare, ce serait avec plein de distos, pour faire ce que je faisais avant, avec une pointe de modernité en plus. Pourquoi pas?

On pourrait te demander de prendre la basse électrique ou alors on t’a définitivement “classé” dans un type de jazz ?

Tout à fait, je suis étiqueté. Mais, de toute façon, des bassistes électriques, il y a en a un paquet, et ils jouent tous très bien, donc je ne vois pas l’intérêt, pour l’instant, d’aller y mettre mon grain de sel. Et puis, il ne faut pas oublier que je suis encore et toujours très amoureux de la contrebasse. Je n’en ai pas fini, c’est un instrument qui m‘étonne encore.

Y a t-il des contrebassistes que tu écoutes et qui sont des influences majeures pour toi ? Y a-t-il un certain type de jazz que tu écoutes plus volontiers qu’un autre ?

Je suis assez épris de Scott LaFaro, bien sûr, avec le trio de Bill Evans. C’est pour moi le must. On parle souvent de “l’art du trio”, mais celui-là est inégalable. Et Scott LaFaro est incroyable. On le sent instinctif, on le sent à la recherche tout le temps. Il jouait avec le cœur et les tripes. Et celui qui, pour moi, actuellement possède toutes ces qualités, c’est John Patitucci.

Le trio c’est la quintessence du jazz et est assez idéal pour un contrebassiste. Est-ce plus difficile de s’exprimer en quintette ?

C’est une question d’esprit. On peut jouer en quintette ou en quartette avec un esprit de trio. Un bon exemple, c’est le quartette de Jan Garbarek, Keith Jarrett, Palle Danielsson et Jon Christensen. Ça jouait avec l’esprit du trio. Tout le monde était en interactivité, ce n’était pas l’accompagnement d’un soliste. Palle Danielsson n’arrête pas de faire des contrepoints, puis il reprend la mélodie en même temps que Jarrett ou Garbarek. C’est la preuve par quatre qu’on peut jouer en groupe avec l’esprit du trio.

C’est cela que tu as essayé de garder dans ton quintette ?

C’est la raison pour laquelle il faut laisser pas mal de liberté et ne pas imposer une couleur trop définie. Encore une fois, les portes sont ouvertes et puis, il faut de la complicité et de la confiance. C’est comme dans la vie. Il faut avoir confiance à 100% dans les personnes que l’on choisit. Si on est à 90%, c’est qu’il y a un problème. Il faut être à 100%. C’est parfois ce qui manque à la scène jazz en Belgique. On a parfois peur que l’un ou l’autre ne joue pas comme on le veut. On le canalise trop.

N’est ce pas dû au fait que les groupes n’ont pas l’occasion de jouer beaucoup et régulièrement ensemble ?

Bien sûr. C’est un gros problème. Il y a beaucoup de demande et pas assez d’offre. Beaucoup se sont sacrifiés pour cela. Même si ce n’était pas simple avant, actuellement c’est encore plus difficile. Avant je réglais un gig en une heure, maintenant c’est trois semaines. C’est quarante e-mails, dix sms et cinq coups de fil… Bref, tu as déjà liquidé ton cachet avant de jouer ! C’est vrai qu’il y a beaucoup de monde mais il y a aussi certaines institutions qui “occupent” un peu assez bien l’espace. En tout cas, ils couvrent une grande zone. C’est un bien et c’est un mal à la fois. Grâce aux Jazz Tours ou aux Jazz Lab Series, les tenanciers ne paient que la moitié du cachet… C’est bien mais… si tu rates ce train-là, quand tu arrives avec ton groupe et que tu annonces un prix “normal”, c’est la galère. C’est un peu épuisant. Moi, je suis indépendant, c’est donc moi qui calcule mon prix. Et, trouver moi-même un engagement et annoncer le prix, qui est honnête par rapport à ce que l’on sait faire, c’est devenu très difficile, voire impossible.

Pour les disques c’est difficile aussi, je suppose ? La distribution, la diffusion, tout cela n’est pas simple.

C’est tout aussi compliqué car le marché est dix fois, quinze fois plus large qu’avant. Et les gens achètent moins de disques qu’avant. On a un nouveau rapport avec le disque. Avant, on attendait la sortie d’un disque, on allait et retournait chez le disquaire pour savoir s’il était dans les bacs. Maintenant, on pianote et on trouve tout sur le web. C’est bien aussi, mais on écoute autrement. Ça passe plus vite. Moi, je veux qu’on écoute ma musique, qu’on s’y arrête…

Le disque ne sert-il pas plus de présentation ?

Oui, car pour trouver des concerts, il faut du concret ! C’est paradoxal. Mais le cd est là pour marquer le coup aussi. C’est un jalon indispensable.

C’est pour cela que les concerts sont importants aussi, pour voir et entendre quelque chose d’unique, entendre comment la musique évolue ?

Oui c’est important. Même si l’on joue ce qu’il y a sur le disque, on le jouera toujours différemment, car un jour n’est pas l’autre. C’est pourquoi il faut jouer et tourner. Et c’est cela qui est difficile. Mais un groupe qui ne joue pas, c’est un groupe qui n’existe pas. On en est tous un peu là, malheureusement. On fait des disques, mais on ne joue pas.

En tant que sidemen, tu as joué et tu joues encore beaucoup hors de Belgique. Tu as des possibilités pour aller joueur avec ton propre quintette hors de nos frontières, en France par exemple ?

J’aimerais bien, évidemment. Mais comme chaque musicien du groupe fait aussi son “truc”, c’est parfois casse-tête. Le guitariste a son groupe, la saxophoniste a le sien, le pianiste aussi… c’est donc complexe pour booker tout le monde en même temps. En plus, en ce qui me concerne, il y a le fait que Jacques Schwarz-Bart a fait son quartette et qu’il a sorti son album entretemps. Egalement avec Han Van Oosterhout. Et comme il tourne en France, si je veux démarcher là-bas, j’arrive avec presque le même line-up... c'est mort. Pour l'instant.

Les concerts, c’est pour quand alors ?

Et bien, j’attends une réponse des Jazz Lab Series pour la fin d’année ou début d’année prochaine. Et avant cela j’espère bien trouver quelques dates pour “garder la main”. Pour le moment, j’essaie de faire parler de ce disque pour pouvoir ensuite grouper les concerts. De toute façon, je ne pense pas que ce disque soit un “feu follet”. Il a été pensé pour cela aussi, pour qu’il dure. Il est assez consistant, je pense.

Bref, «It Could Be The End», n’est qu’un début alors ?

Totalement ! (Rires)

A+

(Merci à Jos Knaepen pour les photos !)

Je l'avais découvert au Sounds début 2009. Je l'ai revu au Festival Jazz à Liège en 2011, en compagnie de Stefano Di Battista. Je l'ai retrouvé à nouveau au Sounds en fin d'année 2011.

Vous savez sans doute déjà tout le bien que je pense de Jonathan Kreisberg, cet excellent guitariste New-Yorkais.

J'avais parlé de son disque ici (que je continue toujours à vous recommander chaudement).

Maintenant, vous pouvez lire ici l'interview que j'ai réalisée pour Citizen Jazz, afin d'en connaître un peu plus sur l'artiste.

Bonne lecture.

A+

C'était le 13 mai, un vendredi à Liège.

Lors du Festival de jazz. Après le très bon concert de Gerg Houben quartet featuring Pierrick Pedron, je file backstage pour discuter avec les deux lascars. Un moment plein de bonne humeur.

L'interview est en ligne sur Citizen Jazz.

Après cette joyeuse rencontre, et après avoir vu quelques autres concerts, j'ai retrouvé les deux complices sur la péniche l'Ex Cale pour la traditionnelle jam. Jazz jusqu'au bout de la nuit...

PS: Pierrick Pedron va sortir son nouvelle album, "Cheerleaders", chez ACT. On en reparlera sans doute.

A+

Quinzième édition (déjà!) du «Z Band» (chaque trimestre, une poignée d’irréductibles bloggeurs – voir la liste et les liens en bas d’article – écrivent sur un sujet commun et le mettent en ligne en quasi-simultanéité). Thème du trimestre: Afrique !

Il a déboulé sur la scène de Comblain-La-Tour l’été dernier. Encore peu connu en Europe, il a fait un certain «buzz» dans notre petite communauté jazz.

Oran Etkin, c’est son nom, est un saxophoniste d’origine Israélienne vivant aux States depuis qu’il est tout jeune. En 2009, il sort son premier disque, «Kelenia» qui met en lumière toute l’originalité de son approche: un mélange de jazz, de klezmer et de musique africaine.

De retour en Belgique pour le Festival Jazz à Liège 2011, j’en ai profité pour aller l’écouter et le rencontrer.

PS : Oran Etkin sera à nouveau en Belgique et en France, fin de ce mois: au Wapi Jazz Festival le 24 et à Paris, au Sunset le 26…

Entretien

Tu vis à New York, mais tu n’y es pas né. Quand et comment es-tu arrivé là-bas?

Je suis né en Israël et à l’âge de 4 ans, mes parents sont venus habiter Boston. Je suis allé à New York en 2002.

Quel a été ton premier contact avec le jazz?

Quand j’avais 9 ans, mes parents m’ont offert deux cd’s. L’un était de Mozart, l’autre de Louis Armstrong. Mozart, ça n’a pas été immédiat (rires), mais Armstrong, ça m’a pris tout de suite. Entre neuf ans et quatorze, c’est le disque que j’ai le plus écouté. Ensuite, il y a eu les musiciens de New Orleans, puis Count Basie…

A ce moment-là, tu jouais déjà d’un instrument?

J’ai commencé le piano vers l’âge de cinq ans.  Puis c’était le violon et finalement le saxophone quand j’ai eu neuf ans.

Le saxophone, c’était un choix?

J’aimais le son. Mes parents voulaient que je joue de la clarinette, mais je n’aimais pas. C’est plus tard, vers quinze ans, au lycée, que j’ai commencé à jouer de la clarinette.

Il y a une grande tradition de joueurs de clarinette dans la musique juive, c’est pour cette raison que tes parents voulaient te pousser vers cet instrument?

Sans doute un peu, mais aussi à cause de la musique classique, qui était importante à leurs yeux. Et puis, le saxophone est assez “limité” dans le classique, vu que c’est un instrument assez récent.

Ton éducation musicale est-elle plus classique ou bien tu as directement suivi des cours de jazz?

J’ai suivi des cours “classiques” mais j’ai rapidement joué du jazz, de l’improvisation.

Kelenia est ton premier disque en tant que leader. Il est particulier car il mélange jazz, klezmer et musique africaine. Comment s’est fait se mélange?

J’ai commencé à jouer de la musique africaine vers 18 ans, plus ou moins. A Boston, j’avais rencontré un percussionniste qui venait du Mali, Joh Camara. Il m’a engagé dans son groupe dans lequel son oncle jouait de la kora. Puis il m’a emmené au Mali. On a joué avec Habib Koite… J’ai découvert toute une scène musicale là-bas.

Tu as découvert rapidement des liens entre la musique juive et africaine?

Oh oui. Quand j’étais au Mali, je connaissais déjà plein de rythmes. C’est une famille. C’est un peu comme si tu connaissais bien quelqu’un et qu’ensuite, tu rencontres sa grand-mère. J’ai reconnu des rythmes de samba, de salsa, de rythm ’n blues, de blues, de jazz. Tout ça, c’était déjà là-bas. Et la musique israélienne, c’est la connexion arabe. La musique marocaine et la musique israélienne ne sont pas très éloignées. La musique israélienne est aussi l’un des liens, un des chaînons, entre l’Afrique et le jazz américain.

La plupart des morceaux de l’album ont été écrits par toi. Mais tu es parti de thèmes traditionnels également, comme “Yekeke”?

Oui, “Yekeke” est un traditionnel Guinéen qu’on a arrangé différemment.

Tu n’as pas été tenté, parfois, de sonner plus “jazz” que musique africaine?

Apporter un esprit et un son plus jazz encore dans les morceaux traditionnels? Pas vraiment… En fait, ça vient spontanément. Quand je prends mon instrument et que je joue sans “penser”, il y aura naturellement du jazz. Car j’ai toujours écouté du jazz, j’ai baigné dedans. Mais il y aura aussi de la musique africaine. Et de la musique juive. C’est un peu comme si je ne pouvais pas faire autre chose, ça vient naturellement. Et quand je joue avec des musiciens de jazz, il y a toujours le “son” africain qui ressort. Le jazz vient de là, on le sait.

Comment as-tu équilibré ton groupe? Comment et pourquoi avoir choisi un joueur de balafon, un joueur de calebasse…?

La veille de partir au Mali, l’oncle de Joh Camara, le joueur de Kora, m’avait invité à jouer avec lui. J’étais arrivé directement d’un autre concert, purement jazz, et je suis monté sur scène aussitôt, sans avoir répété. Et là, il y avait un joueur de balafon. On ne se connaissait pas du tout, il venait d’arriver du Mali deux jours plus tôt. C’était une coïncidence car moi j’étais sur le point d’y aller. Quand je suis rentré du Mali, on s’est retrouvé et Balla Kouyaté est devenu un très bon ami. On a joué d’autres concerts ensemble et je me suis rendu compte que c’était “le” musicien qui pouvait ouvrir ma musique. C’est le frère de Lansine Kouyaté avec qui je joue quand je suis en Europe.

Tu as un autre projet, assez pédagogique, qui s’appelle Timbalooloo. Quel en est l’objectif?

Pour moi, être musicien, c’est jouer de la musique, écrire et apprendre de l’autre pour continuer la tradition. J’ai eu la chance d’avoir appris la musique à Boston avec des musiciens que je respecte profondément, comme George Garzone, Yusef Lateef, Dave Liebman ou David Krakauer. Ils m’ont donné beaucoup. Ils m’ont donné l’envie aussi d’enseigner. J’ai enseigné à des gens de tous les âges. Mais j’ai imaginé une méthode pour les tout petits. C’est important car les enfants sont très réceptifs. C’est l’âge où l’on apprend à parler et à utiliser son corps. Si les enfants apprennent la langue de la musique en même temps, ils vont la parler naturellement. C’est un peu comme les bons musiciens qui ne pensent pas aux notes, à jouer f-sharp ou si-bemol, etc… ils jouent comme ils parlent. Timbalooloo est une méthode imaginée comme telle.

On en revient à la tradition orale. Les musiciens africains avec qui tu joues, comme souvent pour la plupart d'entres eux, ne lisent pas la musique, par contre, ils la transmettent magnifiquement. Comment travailles-tu avec eux?

En effet, on ne peut pas écrire tout ce que l’on veut. C’est peut-être limitatif. Mais c’est aussi un challenge, car ce que j’écris doit pouvoir être retenu et joué. Ça doit être mélodique. Ça prend un peu plus de temps à apprendre, mais ensuite, on ne l’oublie jamais. J’ai rejoué avec des groupes africains avec qui je n’avais plus joué depuis près de dix ans, et aussitôt la musique est là. Elle revient tout de suite. Et on peut improviser dessus sans fin. L’histoire est là. Sans l’écriture il y a peut-être des limites, mais cela stimule tellement l’inspiration.

Comment transmets-tu ta musique avec tes musiciens?

On la joue et on la travaille ensemble. C’est un partage, c’est simple. On a commencé à jouer les uns chez les autres. On était souvent ensemble. Maintenant ça se passe plus souvent avant ou même pendant les concerts .

Tu as une façon très personnelle de jouer la clarinette basse. On dirait que tu joues deux lignes en même temps. La ligne de basse et une mélodie par dessus.

Je ne dois pas être le seul à faire ça, mais j’aime cet esprit. C’est vrai qu’il m’arrive de l’utiliser. Je me suis inspiré de Bach pour cela, de ses pièces pour violoncelle ou pour violon. C’est un défi pour un instrument à une voix. C’est une ligne, mais on dirait qu’il y en a plusieurs. J’ai essayé de trouver une façon d’y arriver avec mon instrument. Mais c’est aussi parce qu’il n’y a pas de clarinette dans la musique malienne. On peut en trouver un peu en Guinée, mais c’est rare. Alors, je me suis inspiré des instruments africains, dans la manière, mais aussi dans le son, pour essayer de jouer comme un djembé ou un balafon. Ça m’a permis de jouer le saxophone ou la clarinette d’une façon que je n’avais jamais imaginé.

A part  Kelenia, tu as d’autres projets en cours?

Oui, je viens de sortir un album qui s’appelle “Wake Up Clarinet” et qui est basé sur la méthode Timbalooloo. C’est avec Jason Marsalis à la batterie, Fabian Almazan au piano - qui joue, entre autre, avec Terence Blanchard - Curtis Fowlkes au trombone - qui a joué avec les Lounge Lizards ou Charlie Haden -  et Garth Stevenson à la contrebasse. Et aussi une très bonne chanteuse, Clarence Wade. C’est donc plus “straight ahead”. Toute l’idée de ce projet est de faire parler les instruments. Les instruments deviennent des vrais acteurs et ils parlent vraiment. C’est très amusant pour les enfants… et pour les grands aussi.

Il s’agit de compositions personnelles ou tu reprends aussi des standards?

Ce sont principalement des compositions originales, sauf “Hé La-bas” qui est un traditionnel de Louisiane. Comme Jason Marsalis vient de là, c’était légitime de raconter cette histoire aussi.

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Souillac au mois de juillet l’année dernière.

J’y étais pour le festival. Au programme, il y avait Nguyên Lê, Tigran Hamasyan, Enrico Rava et Stefano Bollani.

J’en avais profité pour réaliser quelques interviews.

Vous avez peut-être déjà lu celle d’Enrico Rava (sinon, c’est ici, sur Citizen Jazz) mais vous n’avez peut-être pas encore lu celle de Stefano Bollani, ça vient de sortir, c’est toujours sur Citizen Jazz et c’est ici.

Cette année, à Souillac, il y aura un autre Italien, Francesco Bearsatti, mais aussi Ibrahim Maalouf (que j’avais interviewé, il y a quelques années déjà) et Avishaï Cohen.

C’est juste entre les Dinant Jazz Nights (mazette, quelle affiche !!) et Gouvy, Gaume, Middelheim etc… J’essaierai d’y être.

A+

Oui, vous avez raison, ce n’est pas sérieux un blog qui reste en rade aussi longtemps.

Pourtant, ce n’est pas l’envie qui manque de l’alimenter…

Dans mes petits carnets (ceux que j’emmène avec moi en concerts) il y a mes notes sur Gino Lattuca au Music Village, Borderline au Sounds, Kron Trio au Opatuur, Sisters au Sounds…

Mais je n’ai pas encore trouvé le temps de retranscrire tout ça.

J’ai raté pas mal d’autres concerts aussi (Tigran Hamasyan, Oran Etkin, Avishai Cohen, Francesco Bearzatti, Jetsky trio, Fabian Fiorini…)

Heureusement, j’ai quand même eu l'occasion d'écouter pas mal de bonnes choses et j’espère bien en parler l’un de ces quatre. Austin Peralta, par exemple ou le dernier Rêve d’Elephant Orchestra, Seb Llado, Lee Konitz avec Dave Liebman et Richie Beirach ou encore Christian Mendoza… Et puis, des «tueries» comme Apex de Rudresh Mahanthappa, le solo A Fable de Tigran Hamasyan, Tirtha du trio de Vijay Iyer avec Prasanna et Nitin Mitta, le fabuleux Live au Tracteur de Raphaël Imbert ou encore Patience, le dernier John Taylor avec Stéphane Kerecki…

Quelques autres découvertes aussi, comme Wen Quartet ou Boris Savoldelli … Mais j’en oublie certainement.

Ça viendra, ça viendra…

Dernièrement, j’ai vu (un set seulement) Greg Houben et Pierrick Pedron (excellent) et puis, je me suis laissé aller jusqu’au bout de la nuit avec Da Romeo, Eric Legnini et toute sa bande pour fêter les 25 ans du Sounds (et là je n’ai pris aucune note ni photo. Faut se lâcher de temps en temps…)

En parlant d’Eric Legnini, vous pouvez lire ma chronique à propos de The Vox sur Citizen Jazz. Et aussi mon interview avec David Linx…

Allez, on va bientôt revenir aux affaires, c’est sûr! Surtout que se profilent à l’horizon le Jazz Marathon, le Festival Jazz à Liège, Gent Jazz… et plein d’autres belles choses.

À bientôt. Promis.

A+

J’avais un jour écrit que la musique de PaNoPTiCon était indéfinissable. En réécoutant quelques-uns de leurs nombreux concerts mis en ligne sur leur site, je me suis rendu compte que ce n’était pas tout à fait vrai… ni tout à fait faux.

PaNoPTiCon, c’est d’abord Domenico Solazzo autour de qui gravitent une petite cinquantaine de musiciens venus de tous bords. Du jazz, du rock, de la musique contemporaine, du hip hop… Et c’est sans doute pour cela que la musique est autant indéfinissable qu’explicite. Parfois elle est très atmosphérique, parfois très funky, parfois très abstraite, parfois très rock… mais elle est toujours totalement improvisée.

Cette expérience, que Domenico trimballe derrière lui depuis plus de quatre ans, m’a toujours intriguée.

Chaque concert est unique et différent. Après le Factory Studio à Mouscron et Le Théâtre de Namur dans le cadre de Nam’In’Jazz, PaNoPTiCon sera au Brass (364, Avenue Van Volxem à Forest, juste à côté du Musée Wiels) ce vendredi 11 mars.

Une bonne occasion pour moi d’en discuter un peu avec Domenico.

Quelle sera la configuration de PaNoPTiCon au Brass?

Il y aura Olivier Catala  à la basse, Antoine Guenet aux claviers et moi à la batterie. Mais il y a aura surtout deux saxophones basses. Ce sera impressionnant car ce sont deux instruments énormes, qu’on a peu l’habitude de voir, car ils sont difficiles à porter et doivent d’ailleurs être posés sur un support. Ce sont François Lourtie et Marti Mélia qui en joueront. François est un super saxophoniste qui joue, entre autres, dans Cruz Control et Marti Mélia est un ami de François. Je ne le connais pas encore et je jouerai avec lui pour la première fois au Brass. D’ailleurs c’est souvent comme cela que ça se passe avec PNoPTiCon. Un musicien en connaît un autre, qu’il me présente, avec qui l’on joue, avec qui l’on essaie des choses et puis tout s’enchaîne. Cela permet de faire des découvertes. Par exemple, pour un concert au Magasin 4, c’est Matthieu Safatly qui a joué avec nous. C’est un violoncelliste électrique qui jouait avec Present, le groupe progressif belge. Il joue actuellement avec Quattrophage, un groupe expérimental, neo-classique. Quand des opportunités comme celles-là se présentent, je saute sur l’occasion. Cela me permet chaque fois de renouveler la grammaire de la musique que l’on veut développer. J’espère simplement qu’il y a une continuité dans tout ça.

En tout cas, dans l’esprit et dans la démarche, elle y est certainement. Depuis combien de temps PaNoPTiCon existe-t-il?

Le premier concert a eu lieu en avril 2007. Au départ, je faisais de la musique, tout seul, dans mon petit studio, c’était un de mes hobbies. Et je sortais des albums de façon très confidentielle. En 2006, j’avais fait un album qui s’appelait “Multiply”, sur lequel il y avait dix morceaux. Pour chacun d’eux, j’avais invité un musicien. Soit je lui proposais un “projet” qu’il suivait ou modifiait, soit c’est lui qui venait avec une idée sur laquelle on jouait. Tout était permis, c’était très libre. Et parmi tous ces morceaux, deux m’ont tapé à l’oreille. On approchait un peu l’esthétique de Sextant (de Herbie Hancock), avec des atmosphères particulières. J’aimais vraiment bien ça.

Et puis, à cette époque-là, je découvrais le groupe norvégien Supersilent, qui improvisait totalement. Et comme je n’arrivais pas à défendre convenablement mon projet solo sur scène - parce que je suis peut-être trop pudique et pas assez à l’aise, je ne sais pas - mais que la scène me démange, je me suis dit que c’était peut-être ça la solution: un groupe! Un groupe mais sans les contraintes d’un groupe, c’est-à-dire sans les répétitions. Ce ne sont pas les répétitions qui m’ennuient, mais la l’organisation que cela demande. Surtout quand on veut réunir quarante personnes, et quand on sait que chaque musicien est impliqué dans d’autres projets, c’est ingérable. Quelque part, la formule PaNoPTiCon est un luxe. Un luxe, car j’ai la chance que les musiciens avec qui je joue sont tous excellents, mais en plus, ils ont osé franchir le pas. Car il faut avoir un minimum d’audace - ou d’inconscience, à toi de juger - pour se présenter sur scène le soir du concert sans savoir ce que l’on va faire. 

Comment sélectionnes-tu tes musiciens ?

Au départ, je faisais participer mes amis proches. Je n’ai aucune formation musicale, je ne sais pas lire ni écrire la musique. Tout est intuitif, chez moi. Et l’on ne peut pas dire que j’avais beaucoup de rapport avec le milieu du jazz. Alors, j’ai fait participer des gars qui étaient assez ouverts d’esprit. Dans une veine un peu rock psychédélique. Puis, c’est le bouche-à-oreille qui a joué par la suite. Les curieux se sont intéressés à la chose. D’un autre côté, j’allais frapper à la porte des musiciens pour leur proposer le projet. Et le collectif s’est constitué de cette manière-là, petit à petit. Le luxe, c’est de se dire que si j’ai besoin d’un saxophoniste, j’en ai quinze sur ma liste. Mais, lequel vais-je prendre? (Rire) C’est chouette et en même assez embêtant. Je n’ai pas envie de créer des jalousies non plus. Mais tout est question d’équilibre et d’esprit. Et en général, ça se passe plutôt bien.

Mais quand tu décides de choisir tel ou tel musicien - qui sont les ingrédients pour un concert - as-tu déjà une petite idée de la recette?

Oui, mais il y a un truc qui prévaut dans mon choix: c’est d’essayer à ne jamais avoir le même line-up. À l’exception de deux concerts, nous n’avons jamais joué dans la même configuration. Ensuite, entre ce que je désire et ce qui arrive, il y a aussi la surprise. Parfois, 24 heures avant un concert, j’ai trois désistements! Ça m’est arrivé. Alors, ce sont mails, coups de téléphone et gros stress… Mais ma roue de secours, elle est dans la manne des musiciens qui font partie du collectif. Bien sûr c’est un peu gênant de les appeler pour un remplacement. Mais, pour moi, ce n’est jamais un second choix. L’expérience musicale sera différente de celle que j’avais imaginée au départ et elle sera toute aussi intéressante et excitante. Aucun des musiciens avec qui je joue n’est meilleur ou moins bon qu’un autre. Ils sont tous différents et tous excellents. Le moins bon dans l’histoire, c’est certainement moi… Même si je suis le leader du projet.

C’est pour cette raison que tu as appelé ce groupe PaNoPTiCon? Pour être au centre, voir ce qui se passe autour de toi et laisser les musiciens jouer librement?

Oui, c’est en référence à Jeremy Bentham qui avait mis au point cette architecture carcérale. Bon, présenté comme ça, c’est pas très agréable (rires). Je ne considère pas mon groupe comme une prison. Mais il faut, de toute façon, un garde-fou. L’improvisation échevelée et complètement barrée, j’adore ça aussi, et d’ailleurs, cela nous arrive de jouer comme cela, mais j’aime qu’il y ait une certaine architecture. Certaines personnes trouvent notre musique inaccessible. Pourtant, par rapport à certaines musiques improvisées, je trouve la nôtre vraiment très accessible. On essaie de poser des bases, qu’elles soient rythmiques ou mélodiques, afin que les gens puissent se raccrocher ou se référer à quelque chose. Il doit y avoir au moins un niveau stable, un pivot, en l’occurrence, moi. Voilà d’où vient l’idée et le nom de PaNoPTiCon. Vu la distance à laquelle les cellules sont éloignées du mirador central, les prisonniers ne savent jamais s’ils sont observés ou non. Dans le groupe, c’est un peu pareil. Le musicien ne sait pas s’il est observé. Il est libre, mais il s’oblige à une certaine autodiscipline. C’est ça qui est intéressant.

C’est ce que l’on ressent, en effet, en voyant le groupe sur scène. Tout le monde est libre, mais l’on sent un chemin commun.

Oui, parfois en début de set, je donne quelques consignes. Des choses que j’aimerais faire ou, au contraire éviter. Et les musiciens sont encore libres de les respecter ou pas. Parfois, je m’inspire de Brian Eno en donnant aux musiciens des petits mots écrits sur un bout de papier, du genre: «Les stratégies obscures». Des trucs qui ne veulent rien dire, mais qui peuvent évoquer quelque chose chez eux. Un jour, j’avais donné à Jean-Jacques Duerinckx, qui jouait avec Stéphane Mercier ce soir-là, un papier sur lequel était écrit «Ton double est ton ennemi». Ça me fait rire ces petits trucs. Et je ne sais pas dans quel état d’esprit se mettent les musiciens, car ils peuvent le prendre mal, ou ne pas comprendre. Mais moi, je m’amuse. Le tout est de s’amuser. Je ne me prends pas au sérieux, même si ma musique est quelque chose de très important pour moi.

Quand tu dis que certaines personnes trouvent cette musique inaccessible, c’est peut-être parce qu’ils ne savent pas où ils mettent les pieds. Il faut accepter l’inconnu. C’est ça qui est excitant. Après, on peut trouver ça intéressant ou pas, amusant ou chiant… c’est un autre débat. Mais ce principe de «ne pas savoir ce qui va se passer», ce n’est pas aussi un frein pour trouver des endroits où jouer?

Certainement. Pourtant, certains endroits qui freinaient des quatre fers au départ et ne voulaient pas entendre parler de nous, nous ont invité plusieurs fois par la suite. Quand j’envoie des disques aux salles et aux programmateurs, j’insiste toujours lourdement sur le fait que ce qu’ils entendent ne sera sans doute pas ce qu’ils entendront lors du concert que l’on fera. Forcément, tout est improvisé. Par contre, l’esprit sera le même. Il y a des salles qui voudraient entendre des musiques plus modales, plus funky, plus «jazz classique», plus hard… on est capable de faire ça aussi. Avec les mecs qui sont derrière, il n’y a aucun problème. Et je suis ouvert et prêt à faire ça aussi. C’est paramétrable. Mais l’esprit du PaNaPTiCon ne changera pas, ce sera improvisé et l’on ne viendra pas jouer des standards, ça c’est sûr. Tout le monde ne comprend pas ça. Et même des endroits qui ont pignon sur rue et qui se disent «ouverts» restent encore assez frileux. Mais plus on me ferme la porte au nez, plus cela me motive pour entrer.

Tu as l’impression d’être dans un certain circuit, on va dire «underground» ou «avant-garde»? Car, en même temps, les musiciens avec lesquels tu joues font partie d’un certain «courant», sont parfois «borderline», on ne sait pas trop où ils se situent, non?

Oui et non. C’est au cas par cas. Je suis opportuniste. Si j’entends qu’un endroit cherche un groupe, je fonce, j’y vais. Et les musiciens, je vais les chercher partout, dans le rock la musique contemporaine, l’électro… Je ne crois pas être dans un circuit spécifique. R.E.D.A. a joué avec nous par exemple. C’est un producteur de Hip Hop qui jouait des platines. Je n’ai pas envie de me cantonner dans une seule «école». Plus c’est ouvert, plus c’est intéressant. C’est pour cela que j’essaie des combinaisons différentes chaque fois, pour voir ce que provoquent ces rencontres. Parfois, il m’arrive de mettre un chien et un chat ensemble. C’est amusant. J’essaie d’éviter les batailles d’ego, par contre…

Tu enregistres tous tes concerts, dans quel but?

Le partage. Car je ne compte vraiment pas me faire des thunes avec ça. Au début, c’était simplement pour garder une trace du concert. On a une quarantaine de concerts en ligne. Gratuitement. Et s’il y a des fanatiques de l’objet, comme je le suis moi-même, je peux leur envoyer le cd, pour la modique somme de 6 Euros, frais de port compris, quel que soit le coin de la planète. Ce sera un packaging cartonné, fabrication maison. Un peu comme ce que faisait Sun Ra dans les années septante…

C’est surtout en live qu’il faut écouter PaNoPTiCon.

Les avis divergent. Il faut dire que j’adore passer du temps sur un éditeur de musique multipistes à jouer sur les balances, à ajouter des effets stéréo. Je me demande même parfois si je ne change pas la réalité des concerts. Si je veux être tout à fait honnête et sincère, je pense que les concerts qu’on entend sur le net, ne restituent pas totalement ce qui s’et passé dans la réalité. Je m’amuse parfois à changer l’ordre des morceaux, pour trouver une progression. Est-ce un avantage ou un désavantage, je n’en sais rien. Tout le monde y trouvera ce qu’il veut.

Tu dis n’avoir aucune formation, mais quelles sont les musiques qui t’excitent ou qui t’ont influencées ? Tu parles de jazz, de rock progressif…

S’il faut citer des noms, je dirais King Crimson, Frank Zappa… En jazz, je dirai Ornette Coleman, Weather Report, Sun Ra… J’aime bien les empêcheurs de tourner en rond. Ce sont des gars qui aiment montrer que la réalité n’est pas toujours telle qu’on nous la vend. Ils cherchent des chemins de traverses. C’est ce que je recherche, c’est ce que j’aime. J’aime être bousculé. Et oui, je suis fortement influencé par la musique des années ’70, c’est sûr. Mais un groupe qui m’a vraiment impressionné ces dix dernières années, c’est Mr Bungle. Ils ont fait trois albums et puis ils ont disparu. Chacun fait son projet. Mais je n’ai pas de mots pour décrire ce qu’ils font. C’est phénoménal. C’est le premier groupe de Mike Patton, qui est devenu le chanteur de Faith No More. Et c’est grâce à son entrée dans ce groupe qu’il a pu obtenir un contrat pour Mr Bungle. Car, jusqu’à ce moment-là, il leur était impossible de signer pour un label. Le premier album de Mr Bungle a été produit par John Zorn. Le deuxième album est, pour moi, un Ovni! Dans la musique contemporaine, tu as «Trout Mask Replica» de Captain Beefhaert et «Disco Volante» de Mr Bungle. Je ne sais pas comment décrire cette musique, car ils mélangent tous les genres, mais c’est hallucinant. Tu vois, John Zorn avait fait un truc similaire avec «Naked City», mais c’était des formats courts. Mr Bungle, c’est un peu le même principe mais sur des morceaux plus longs. Ils ont le temps d’installer une trame.

Toi, tu es autodidacte. Un jour tu t’es acheté une batterie…

Exactement. J’ai commencé à taper sur les casseroles de ma mère et j’écoutais Phil Collins, je n’ai aucune honte à le dire, même s’il a mal tourné (rires). Puis j’ai acheté une batterie. J’ai appris tout seul, avec un casque sur les oreilles en écoutant «Kashmir» de Led Zeppelin. Puis, j’ai pris quelques cours pour améliorer ma technique. Je ne suis pas le roi de la technique, loin de là, mais je pense avoir une oreille et le sens du rythme.

Et une personnalité aussi.

Ça, je ne sais pas. Mais je sais que les musiciens peuvent se reposer sur moi. Par contre, je ne me lancerai jamais dans des solos. D’abord je ne m’en sens pas vraiment capable mais surtout, je n’en vois pas l’utilité. Moi, je reste le pivot. Et je m’en fous si je reste métronomique dans mon jeu, même si c’est un 3/4 ou un 5/7. Je ne veux pas m’éloigner de ce rôle. Les musiciens peuvent se raccrocher à moi et se permettre toutes les libertés.

A+

Quelques semaines après le concert qu'il avait donné au Vooruit à Gand avec son trio, j'ai rencontré Jef Neve pour une interview.

C'est paru cette semaine sur Citizen Jazz, et ç'est à lire ici.

En bonus, une video...

Imaginary Road from toon veraghtert on Vimeo.

A+

C’était cet été. A Souillac.

C’est un après-midi. Il fait beau.

Sur la petite place, il y a du monde. Un  trio joue dans sur les marches de l’église Saint-Martin.

J’ai rendez-vous avec Enrico Rava.

Détendu, souriant, affable. On discute avec lui comme avec un ami que l’on connaît depuis longtemps. Un homme normal. Un homme amoureux du jazz.

L’interview est à lire ici, sur Citizen Jazz.

A+

Juste une petite mise à jour de quelques articles parus sur Citizen Jazz dernièrement.

Il me semble que j’ai oublié de vous signaler la mise en ligne (il y a pas mal de temps déjà) de mon compte-rendu sur le Festival Jazz à Liège, avec une très courte interview de Jean-Marie Peterken.

Vous pouvez lire l’article ici.

Cet été, j’étais au très sympathique Festival Jazz à Souillac pour lequel j’ai aussi écrit un article pour Citizen Jazz. Il suffit de cliquer ici.

Et tant que nous sommes sur Citizen Jazz, je vous invite aussi à lire l’interview que j’ai faite de Baba Sissoko et Fabrizio Cassol à propos de l’album Aka Moon And The Black Machine. Ce fut une rencontre merveilleuse et  une (longue) soirée mémorable, pleine d’émotions et de fous rires… assez difficile à retranscrire avec des mots… À lire ici.

(©Jos Knaepen)

Et puis, pour finir, un petit coup de pouce pour un nouvel évènement à venir le week-end prochain.

La première d’une série de trois rendez-vous (pour l’instant) organisés par Muse Boosting: The Blue Flamingo. Ça se passe au Château du Karreveld à Molenbeek vendredi et samedi et tous les détails sont ici.

Pour le reste des «bon plans», il y a toujours l’incontournable agenda des concerts de Jazz In Belgium.

A+

Quand j’étais petit, il y avait un disque de Michel Legrand à la maison. Ce n’était pas vraiment un disque de jazz, mais plutôt une compilation de ses chansons françaises. Il y avait, je pense, «Les Moulins de mon cœur», «Je ne pourrai jamais vivre sans toi», «La chanson des jumelles» et surtout «1964» (ça, j’en suis sûr).

À l’époque, je ne savais pas que Michel Legrand avait enregistré avec Miles Davis  (d’ailleurs, je ne connaissais pas Miles Davis…). Je ne savais pas que Legrand jouait du jazz.

Pour moi, Michel Legrand, c’était un peu comme Sacha Distel : j’ai découvert son «côté jazz» bien plus tard. Plus tard, c’est quand j’ai vu le film «Les Demoiselles de Rochefort». J’en étais fou (je le suis encore maintenant, et mes filles le connaissent par cœur)…

Michel Legrand a sorti, au début de l’été, un album dans lequel il revisite quelques-uns des plus grands thèmes de films ou de comédies musicales : «Musicales Comédies».

J’ai eu l’occasion de rencontrer Michel Legrand et sa femme, la célèbre harpiste Catherine Michel.

Avec Michel Legrand, ça balance toujours… dans tous les sens du terme.

Vous pouvez lire l’interview ici, sur Citizen Jazz.

Sur Citizen Jazz, vous pouvez lire également mon compte-rendu, plus «détaillé», du dernier Gent Jazz Festival. Pour Jazz à Liège, c’est pour très bientôt et Souillac devrait suivre aussi.

A+

Cinema Novo, sorti chez Home Records, c’est le nom de ce très bel album à la musique magique, poétique et hors du temps du trio Massot, Florizoone, Horbacsewski. Un album riche de sonorités si familières et si étranges à la fois. Un dosage subtil de mélodies, de lyrisme, de légers délires et d'improvisations ciselées. Lors du dernier festival Brosella, j’ai rencontré Tuur Florizoone juste après le concert qu’il donnait avec le trio.

Comment s’est formé ce trio, comment vous êtes-vous rencontré ?

Il y a quatre ans, je pense, j’ai rassemblé mon courage et j’ai appelé Michel Massot, car je voulais monter un groupe avec lui et Laurent Blondiau. Ensemble, nous avons eu l’occasion d’accompagner un film au Café Central, à Bruxelles, et ça s’est très bien passé. Après cela, c’est Michel qui m’a demandé de jouer avec lui et une certaine violoncelliste qui n’était autre que Marine Horbaczewski. On a fait quelques improvisations ensemble et, petit à petit, on s’est constitué un répertoire. Rapidement, le groupe à été demandé pour des concerts avant même qu’il ne soit vraiment formé.

Au départ, il s’agissait d’improvisations. Il n’y avait pas vraiment d’objectif précis ?

Non, au début on improvisait et puis on s’est rendu compte que certaines petites mélodies fonctionnaient. En général, il s’agit de mélodies très simples. Et finalement, cela marche très bien avec le violoncelle car il y a du « fond ». Bien sûr, à l’accordéon, je peux aller très bas et Michel, au tuba, aussi, mais Marine peut également monter très haut. Il y a donc une association de couleurs très intéressante.

Qui écrit les morceaux ?

Michel Massot et moi, principalement. On amène chacun des thèmes qu’on travaille ensemble, que l’on enrichit. Et puis, on a beaucoup tourné ensemble, en Belgique, en France et aux Pays-Bas : ça soude.

Comment peut-on définir cette musique, quelles en sont les influences? C’est du jazz de chambre ?

Je pense que c’est de « la musique », simplement. Mais effectivement, « jazz de chambre », c’est pas mal, comme définition. On joue beaucoup sur l’acoustique. Mais avec un petit grain de folie qui nous fait dépasser les frontières. C’est toujours l’éternelle discussion de « quel genre de musique jouez-vous ? ». Je ne sais pas que répondre.

C’est une musique très imagée. C’est amusant car, comme tu le disais, vous avez démarré en accompagnant un film, même si ce n’était pas le même groupe…

C’est imagé, oui, peut-être. C’est aussi dû au fait que Michel écrit de la musique assez rythmée, parfois un peu naïve - dans le bon sens du terme – avec des mélodies à deux ou trois voix. Moi, comme j’ai un instrument harmonique, je vais plutôt dans les couleurs et les modulations. C’est ça l’imagination. Mais nous avons aussi besoin d’un bon son, c’est important. Pour que le public soit à l’aise et nous renvoie quelque chose.

Marine compose aussi ?

Non, mais on la motive pour qu’elle le fasse.

Par contre, elle improvise beaucoup ?

Oui, beaucoup. Comme nous tous. Elle possède un instrument extrêmement riche. J’en suis presque jaloux. À l’accordéon, tu peux jouer quelques notes, tu peux en jouer deux, ou parfois trois, ou choisir un accord, ou faire quelques rythmes, mais la variation des sons chez Marine, ou même chez Michel au tuba ou au trombone, est immense. C’est intéressant de pouvoir aller au-delà des possibilités d’un instrument. De dépasser les clichés aussi.

C’est ce que tu essaies de faire avec ton accordéon, tu n’en joues pas de manière classique ou traditionnelle, tu joues avec le souffle, les bruits…

J’essaie de compléter ce qui n’est pas là. Parfois il faut mettre un petit tapis, sans prétention, ou alors au contraire être très prétentieux…

Pour l’instant, tu tournes dans quel circuit ? Jazz, folk, world… ?

C’est très varié. Je viens de terminer une création pour les fêtes de Gand, avec Michel et Marine, auxquels s’ajoutent Sabine Kabongo, Aly Keita, le joueur de balafon, Laurent Blondiau, Chris Joris, Nic Thys et Wendlavim, un batteur burkinabais ainsi qu’une chorale congolaise… En fait c’est une création sur le métissage. On a joué, il y a quelques jours à Gand et c’était très intense. C’est à la fois joyeux et mélancolique. Cela raconte l’histoire de métissage, parfois illégal, à l’époque de la colonisation belge au Congo. Beaucoup d’enfants sont nés de façon illégale. On essaiera de jouer encore après les fêtes de Gand, à Bruxelles ou ailleurs. Plusieurs dates sont déjà prévues pour l’année prochaine.

En ce qui concerne le trio, d’autres dates sont prévues également ? De nouvelles compos ? Un autre disque ?

Quelques dates sont prévues en septembre. Et puis, oui, on a de nouvelles compos et peut-être que nous enregistrerons fin d’année, je ne sais pas encore précisément.

A+

C’était vers la fin de l’été. L’année dernière. À la terrasse du Métropole à Bruxelles. On a beaucoup parlé, surtout elle, on a mangé des croissants et bu du café.

C’était très agréable, détendu, amusant et intéressant.

J’ai appris plein de choses.

L’interview vient d’être mise en ligne sur Citizen Jazz.

C’est celle de Cécile Broché.

À lire, à écouter et à voir…

A+

Rudresh Mahanthappa est sans doute le saxophoniste qui m’a le plus impressionné et surpris ces dernières années (et je ne suis sans doute pas le seul dans le cas).

Je l’avais découvert au détour d’un album de Hubert Dupont (Spider’s Dance). Ensuite, j’avais été soufflé par son Codebook et puis par tous ses autres projets... précédents et suivants. Avec Vijay Iyer, pianiste lui aussi assez impressionnant et novateur, il a ouvert quelques nouvelles portes au jazz. J’ai eu la chance de le rencontrer après un concert au Singer, et de l’interviewer pour Citizen Jazz. C’est à lire ici.

A+

C’est l’été, il faut très chaud, les journées sont longues et chargées, les nuits sont courtes et, du coup, j’ai pris du retard dans mes comptes rendus.

Je reviendrai (vite, je l’espère) sur le concert de Collard-Neven et Rassinfosse pour la sortie de leur troisième album (en quartette, cette fois) «Braining Storm», et sur le concert d’Alain Pierre Acoustrees Quintet…

Pour vous faire patienter, vous pouvez lire l’interview de Marcin Wasilewski que j’ai réalisée, il y a quelque temps déjà, et qui vient d’être publiée sur Citizen Jazz.

Et je vous en promets d’autres d’ici peu… surprise.

Et puis, n’oubliez pas: c’est la saison des Festivals.

En ce moment, c’est le Gent Jazz. On y a déjà vu un merveilleux Kurt Elling, un poétique Pierre Vaiana, un magique Ornette Coleman, un séduisant Chris Mendoza Group, un efficace Vijay Iyer et un délirant Chick Corea (qui se termina par une incroyable jam où l’on y retrouvait : Vijay Iyer, Christian Mc Bride, Kenny Garrett, Roy Haynes, Ronald Bruner, Hiromi et d’autres…) Et ce n’est pas fini !

Et puis, il y a le Brosella, dimanche (Roy Hargrove, Avishai Cohen, Ivan Paduart, Massot - Florizoone - Horbaczewski...)

Bientôt aussi, ce sera les Dinant Jazz Nights avec une affiche incroyable !

Manu Katché, le parrain de cette édition 2010, a invité Joshua Redman, Deedee Bridgewater, Aldo Romano, David Sanborn, Steve Gadd, Jan Garbarek, Philip Catherine, Enrico Pieranunzi, Eric Legnini, Till Brönner, David Linx, André Ceccarelli et d’autres encore.

Go, go, go…

Moi, je n’y serai pas. Ben oui, c’est les vacances… et j’en profiterai pour aller au Festival Jazz à Souillac, ré-écouter Enrico Rava, Stefano Bollani et Tigran Hamasyan…

Et ensuite, ce sera le Gouvy Jazz Festival, Ça Jazz à Huy, le Gaume Jazz, Jazz Middelheim, Jazz In Het Park…

L’été est chaud.

A+

Bo Van Der Werf a un agenda chargé.

On le verra au El Negocto à Gand le lundi 7, au Pelzer à Liège le 9, au Sounds le samedi 12 et au Roskam le dimanche 13… Autour de lui, il y aura Nic Thys, Jozef Dumoulin, Robin Verheyen et parfois aussi Stéphane Galland.

Entre ces concerts-là, il sera également à Anvers avec Lidlboj (le 10) et, après tout ça, en résidence avec Octurn à la Jazz Station (le 23 et 24 juin).

Son agenda était tout aussi chargé, il y a quelques mois. Mais j’ai quand même réussi à le «coincer» pour l’interviewer. Le résultat est en ligne ici, sur Citizen Jazz.

Bo ne sera pas au festival Wapi Jazz à Estaimbourg ce vendredi 4 juin (petit coup de pouce à ce jeune festival qui se déroulera à deux kilomètres de chez mon papa et ma maman…). Il ne sera pas non plus au Fast Forward Festival qui se déroulera du 11 au 19 juin au KVS à Bruxelles… quoique.

A+

Passé inaperçu, raté, oublié, loupé, manqué… je ne sais pas quel synonyme utiliser.

L’interview de Jacques Pirotton est en ligne depuis le 27 février (!!!!) et je ne le savais même pas ! Oui, oui, c’est sur Citizen Jazz.

Pas évident de la retrouver, d’ailleurs. Mais j’ai un tuyau : si vous cliquez ici, vous y êtes directement !

A lire en écoutant son dernier album : Parachute

A+

Un dimanche soir de décembre, j'avais rendez-vous à Anvers pour écouter Lidlboj et interviewer son leader Jozef Dumoulin.

Me voilà donc parti tout guilleret et tout excité à l'idée de découvrir en live les hallucinants délires musicaux entendu sur le tout récent CD "Trees Are Always Right" (chez Bee Jazz).

Super bien organisé, je suis scrupuleusement les indications de mon plan Google Map et je me retrouve... au nord du nord d'Anvers, au fin fond de docks sinistres, sombres, glauques et déserts. Mais où est donc cette salle de concert?

Je tourne et tourne encore à la recherche d'un semblant de vie et d'animation. Je tourne et retourne mon plan dans tous les sens. Je tourne et retourne en rond. L'heure tourne aussi... Me voilà bel et bien paumé en plein centre de nulle part.

Bon sang de bonsoir! J'ai introduit une mauvaise adresse dans Google Map. Je ne sais plus où je suis et encore moins où je dois aller. Je laisse un message de détresse à Jozef qui s'apprête à monter sur scène... Le concert commence... et se termine sans moi...

Retour sur Bruxelles en écoutant "Emine", à fond. Histoire de me calmer.

Quelques jours plus tard, j'ai rendez-vous avec Jozef à la terrasse d'un bel Hôtel du centre de Bruxelles. Sans plan.

Et voilà enfin l'interview sur Citizen Jazz.

Pour le concert, ce sera ce mercredi 24 février, à la Jazz Station à Bruxelles. Je crois que, cette fois-ci, je ne vais pas le rater.

Et vous?

A+

Un peu d’actu.

En ce moment, sur Citizen Jazz, vous pouvez lire l’interview de Baptiste Trotignon. Rencontre bien sympathique. C’était à propos de son disque «Share» et c’était dans les coulisses du Festival Jazz à Liège. Et c’est à lire ici.

Puisqu’on parle de festivals, il y a en a qu’il ne faut pas manquer en ce moment.

Les Djangofollies, bien sûr! Les 100 ans de Django, ça se fête.

Si vous n’avez pas le temps d’y aller, il vous reste les disques de Django. Intemporel. Unique. Tellement unique qu’il a mis dans l’ombre Oscar Alemán. Vous ne le connaissiez pas? Moi non plus avant d’avoir lu ce petit bijou de bande dessinée: «Le Roi Invisible» de Gani Jakupi. Oscar Alemán n’est pas un personnage fictif comme Emmet Ray, imaginé par Woody Allen dans son film «Sweet And Lowdown», mais ses disques sont difficiles à trouver. Heureusement, il y a Frémaux...

Autre festival à ne pas manquer, c’est celui qui se passe du côté de la Place Falgey: le Jazz Festival Marni Flagey!

Au programme, Alexandre Cavalière, l’Âme des Poètes (je suis allé les voir, je vous raconterai), Eric Legnini, Christian Escoudé, Mélanie De Biasio, BJO etc… Aurai-je l’occasion de tout voir? Suspens!  Pourtant, il y a des groupes qui titillent ma curiosité. Des groupes qui revisitent Pink Floyd (I Overdrive Trio pour la France)  ou Genesis ( Jaume Vilaseca Quartet pour l’Espagne). C’est drôle ce «revival» en jazz, et ça fait plaisir de sentir qu’on n’est pas le seul à aimer ces mélanges. J’en discutais encore tout récemment avec Henri Greindl, fondateur de Mogno Music, fan de Genesis, Yes, King Crimson autres Soft Machine.

Bref, vous voyez où l'on peut se rencontrer?

Et puis, il ne faudrait pas oublier les clubs! Et pour cela, rien de mieux que de vérifier régulièrement l’agenda des concerts de Jazz In Belgium, c’est tous les jours fête !

Allez, pour terminer, un clin d’œil à mon ami Jos Knaepen. Il vient d’éditer «Jazz Master», un très beau livre avec quelques-unes de ses meilleures images. Ça se feuillette avec délice et ça s’achète à partir de février sur le site.

A+

Avec tout ça (belle expression qui ne veut rien dire) l’interview de Yaron Herman m’est passée sous le nez.

Non que je ne  l’ai pas faite – au contraire, j’avais rencontré Yaron il y a pas mal de temps déjà – mais elle est parue sur Citizen Jazz le mois dernier et je ne m’en suis pas aperçu.

À propos, je suppose que vous avez vu que Citizen s’est joliment rhabillé ?

Alors, pour ceux qui ont raté l’interview: scéance de rattrapage ici.

A+

Je ne sais pas si vous avez la même impression que moi, mais il me semble que le temps s’accélère.

Y a-t-il vraiment 24h. dans une journée?
Ne serait-on pas en train de nous raboter insidieusement quelques minutes par jour?

Chaque Jour?

Bref (car il n’y a pas de temps à perdre), je suis très en retard dans mes comptes-rendus de concerts (et le reste).
Alors, en attendant (si c’est possible), vous pouvez lire l’interview que j’ai faite de Vijay Iyer pour Citizen Jazz.

Excellent pianiste à l’univers assez personnel qui risque fort – si ce n’est déjà fait – d’influencer pas mal de monde.

Outre cette interview, je vous conseille vivement ses disques et, si vous en avait l’occasion, ses concerts.


A+

C’était un soir du côté de la place Flagey.
Au Café Belga.
Dehors, il pleuvait averse.
En fond sonore, il y avait Coltrane, Bjork, Miles, Radiohead…
Il y  avait beaucoup de bruit, beaucoup de gens qui parlaient.
Et il y avait Frank Vaganée.
Simple, chaleureux, sympathique et souriant…
On a parlé du BJO.
Quel bon moment !

L’interview pour Citizen Jazz est à lire ici.

A+

Si vous allez au Brosella ce dimanche, vous avez plus d’une chance de le voir sur scène.
Si vous suivez le jazz un peu partout en Belgique, vous risquez de le rencontrer souvent.
Et si vous  vous faites la même chose en France, cela peut vous arriver aussi…

Alors, mieux vaut savoir qui est Manolo Cabras.

L’interview pour Citizen Jazz est ici.
Ça peut servir.

A+

Allons, allons, vous avez regardé assez de football à la télé!
Il est temps de revenir au jazz.

Un peu de lecture?
L’interview de Jacques Schwarz-Bart que j’ai réalisé pour Citizen Jazz, par exemple?

Pas de problème, c’est ici.

A+

Les frères Belmondo viennent de sortir leur dernier album.
Après une plongée dans la musique de Lili Boulanger, après l’hommage à Stevie Wonder et une collaboration avec Yusef Lateef, les voici en compagnie de Milton Nascimento.

Comparer cet album à «Native Dancer» - comme je l’ai lu, je ne sais plus où - est absurde.
L’album de Shorter et celui des Belmondo n’ont rien à voir.
Et il serait dommage de se priver de ce dernier.
 

Stéphane et Lionel Belmondo seront (avec Milton Nascimento, Thomas Bramerie, Dédé Ceccarelli et Eric Legnini) au prochain festival Dinant Jazz Nights (18,19 et 20 juillet). Ils sont un peu chez eux, là-bas...

Réservez déjà vos places ! 

 
J’ai eu l’occasion de les rencontrer.
L’interview, c’est ici…

A+

Avant de revenir sur quelques-uns des derniers concerts  auxquels j’ai assisté (Thuesday Night Orchestra, Dee Dee Bridgewater et Ibrahim Maalouf - en avant-première de Yaël Naïm), place aux mots des patrons de clubs !

Hé oui, les Lundis d’Hortense ont «relooké» de très belle façon leur magazine, au point même de l’appeler maintenant «Jazz In Belgium». Dans la foulée, ils m’ont demandé de faire le tour des clubs belges et de les présenter en un court article.
Dans ce premier numéro, il s’agit du «Sounds» et du «N’8’Jazz»

Dans «Jazz In Belgium», on y trouve aussi des infos sur le «Jazz Tour», les différentes organisations de l’association, une interview d’un musicien (Teun Verbruggen par Manu Hermia), les dernières sorties CD’s et autres news… (On peut visualiser le magazine en PDF… mais en PDF… c’est pas pareil…)

Pour recevoir le magazine (trimestriel), il suffit d’en faire la demande aux Lundis D’Hortense : ldh@jazzinbelgium.org, et de verser 15 euros (15 euros, c’est rien et ça permet surtout de soutenir l’association des jazzmen belges) sur le compte 068-0704090-01.


Bref, en complément de ces articles, je vous proposerai l’interview des patrons de clubs mis «à l’honneur» lors de chaque parution.

Pour débuter cette série: Philippe Dethy, du «N’8’Jazz» à Mazy.
(Et dans quelques jours, vous pourrez lire l’interview de Sergio Duvalloni du «Sounds» à Bruxelles).

Stay tuned, comme on dit chez les d’jeuns…

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Philippe Dethy - N'8'Jazz, Mazy - (Pour Jazz In Belgium)

Le club N’8’Jazz n’a pas toujours été situé à Mazy.

Non, au départ, nous étions à Spy, pendant douze ans. Et depuis fin 2005, nous sommes à Mazy.

Le club est né d’une envie personnelle?

Si tu veux. Au départ, en ’93, je faisais du théâtre. J’avais un atelier-théâtre là-bas, à Spy. C’était l’arrière-salle d’un bistro. Une salle magnifique qui était souvent peu occupée. J’ai donc eu l’idée d’organiser des concerts de jazz car, musicalement, c’était ce que je connaissais le mieux. Au départ, c’était 8 concerts par an. On avait un slogan qui disait «8 concerts au 8, Rue Haute». C’était l’adresse. Et les gens que je croisais par la suite me demandaient quand il y avait des concerts à «Jazz 8»? C’est ainsi qu’est venu le nom «Jazz 8», alors que nous n’avions jamais envisagé de baptiser l’endroit de cette manière. Mais on a gardé l’idée. Par la suite, il y a de la demande de la part des musiciens et aussi du public. Alors, on a augmenté la cadence jusqu’à 40 concerts actuellement. À cause de ça toute l’équipe a abandonné le théâtre pour organiser les concerts de jazz.

Pourquoi avoir changé d’endroit?

On a été viré ! L’ASBL de l’époque avait une dimension plus «sociale». Et certains trouvaient que le jazz était une musique d’intellos, de bourgeois, de notaires, médecins, dentistes etc… Ce qui est totalement faux. Mais il fallait un bâton pour battre le chien. Bref, nous avons trouvé miraculeusement un endroit à Mazy.

Endroit qui était une ancienne marbrerie...

Oui. La marbrerie de Mazy était connue dans le monde entier. Il y a du marbre de Mazy au Taj Mahal, à Versailles etc… Mais la veine s’est épuisée et la marbrerie est devenue une friche industrielle. Un ébéniste a acheté deux hangars pour y faire son atelier, avec l’idée d’utiliser son show-room comme salle évènementielle. Style : expos de peintures, de sculptures ou des concerts… Et nous avons investi l’endroit deux fois par mois environ.

Quand tu dis «nous», c’est qui?

Eh bien, ce sont les théâtreux, qui sont devenus des jazzeux. C’est Henriette, ma femme, Pascal, Michel et moi. Henriette s’occupe de l’accueil des musiciens, les autres sont techniciens, ils s’occupent du son et du décor. Et régulièrement, on engage des gens pour s’occuper du bar: des bénévoles.

Comment trouvez-vous les fonds pour organiser tout ça?

D’abord, il y a les bénévoles et les autres sont payés au «cachet», comme les artistes.

Vous êtes subventionnés?

Oui, heureusement. Par la communauté française avec qui nous venons de re-signer une convention de quatre ans. Cela couvre les frais les cachets des musiciens, les frais de pubs etc…

Difficile à obtenir?

Il y a beaucoup de paperasse à remplir, c’est sûr. Mais ça va. C’est une aide évidente ! On voudrait parfois aller un peu plus vite, plus loin. J’ai appris tout ça ici, à Mazy, car avant c’était une autre personne qui s’occupait des demandes… et qui me persuadait que je n’obtiendrai jamais grand chose de plus. Il avait tort. C’est du boulot, il faut savoir présenter un dossier… mais ça marche. Maintenant, nous avons aussi la lumière et le matériel son en prêt. C’est un beau coup de pouce!

Quelle est l’assistance moyenne?

Pour le moment, on tourne à 55 de moyenne. Avec des pointes à 130. On a baissé un peu par rapport à Spy. Car, au départ, le nouvel endroit n’était pas très confortable. Il était assez froid aussi. Maintenant, ça va, on a remédié à tous ces petits soucis et l’affluence remonte. Le bouche-à-oreille fonctionne fort. Dans un sens comme dans l’autre.
 
Le public est très local?

Non, ça vient d’un peu partout. Il y a des gens que l’on voit au coup par coup, et puis il y ales habitués. Il y a pas mal de gens de Gembloux, sans doute à cause du dynamisme du centre culturel de cette ville.

Y a-t-il une concurrence avec d’autres clubs dans la région?

Non, nous sommes seul dans la région. Mais il faut savoir que l’on draine le public du Barbant Wallon également. Ce sont des gens qui vont aussi bien à Bruxelles que chez nous. Donc, la région… c’est assez large. Mais on peut dire qu’on est les seuls dans le coin. Quoiqu’il y a le «Brassages» à Dongelberg qui vient de s’ouvrir…

Tu essaies de programmer des groupes différents de ce que l’on voit à Bruxelles?

Je ne me compare pas trop aux autres clubs, dont j’apprends la programmation assez tard, de toute façon. Donc, je fais ma programmation en fonction de mes goûts et de mon équipe qui était plus «rock» au départ. Il faut donc trouver des concerts qui leur plaisent aussi. Il n’est pas question qu’ils s’emmerdent non plus. Car sans eux, le projet n’existerait pas. Il faut que la musique leur ressemble aussi. Donc, je cherche des groupes qui montre que le jazz, ce n’est pas que le «jazz à papa». Que c’est une musique actuelle, contemporaine. Et moi-même, je me sens obligé d’aller chercher des groupes auxquels je n’avais jamais pensé. Puis, entre les musiciens, le bouche à oreille fonctionne aussi…

Comment définirais-tu le type de jazz que tu programmes?

C’est difficile à dire. Ça peut aller de Toine Thys à Animus Anima ou The Wrong Object. Donc, du jazz moderne, en quelques sortes. J’ai du mal avec les étiquettes. On propose parfois des projets un peu «branques» aussi, qui n’attirent pas nécessairement du monde. Je pense à Boespflug & Dagognet. Piano et trompette… tu vois le genre !

Il y a donc l’envie de faire connaître des groupes et de se faire plaisir?

Oui. Et si on invite des groupes étrangers, c’est parce qu’il n’y a pas de groupes qui jouent de cette façon en Belgique. Si c’est pour aller chercher un groupe français qui joue comme Octurn, pa exemple, autant prendre Octurn. On travaille aussi avec l’ARFI (Association à la Recherche d’un Folklore Imaginaire) avec qui on a proposé «Bomonstre»: un trio de trombonistes ! Faut le faire aussi, ça… On aurait pu trouver un trio classique jazz ! (rires) Mais on trouvait le projet intéressant.

Tu t’occupes aussi de Nam' In Jazz?

Nam' In Jazz, c’est arrivé un peu par hasard. Au début, c’est le «Kot» d’étudiants de l’Unif qui avait décidé de monter un festival de jazz. Ils m’ont contacté pour que je leur donne un coup de main, pour les décors et la lumière. Car tout se passait dans un amphithéâtre de l’Unif. C’était il y a douze ans. Et depuis, on travaille ensemble. On a organisé des concerts dans des bistros, puis à l’Arsenal. Les festival a pris de l’ampleur. Quand on a été viré de Spy, on a monté une nouvelle ASBL qui s’est appelée N’8’Jazz, qu’on peut prononcer «Nuit Jazz». Et dans ce conseil d’administration, on retrouve trois anciens étudiants des débuts du festival. Des mecs qui ont mordu au jazz. C’est une rencontre qui s’est bien passée. Les rencontres, on adore ça.

Les rencontres, c’est un peu ce qui permet de s’en sortir un peu dans le jazz, non?

Oui. C’est la philosophie des petits bateaux. Petit bateau, plus petit bateau, ça fini par donner une belle flottille. Chacun s’y retrouve. Cette année, par exemple, mon grand plaisir était de travailler avec le Belvédère à Namur, qui est plutôt tendance rock. Ce fut une belle rencontre aussi. Et je crois que cette collaboration va perdurer. On a opéré des mélanges avec des publics différents.

En quatorze ans, tu as senti une évolution dans le jazz?

Dans la musique, oui. Elle est lente, mais elle existe. Les musiciens ne cherchent pas à faire du jazz, mais à faire leur jazz. Ça va dans tous les sens et je trouve ça très intéressant. Il y a beaucoup d’inventions. Même quand ils reprennent un standard. Quant au public, je ne sais pas. J’ai l’impression de voir toujours les mêmes têtes, mais je pense que ce n’est pas vrai. Il y a de plus en plus de jeunes qui s’intéressent au jazz. Mais je pense que c’est un mélange de tous âges. Et ça fait plaisir d’ailleurs de voir ce mix. Je devrais peut-être me pencher sur la question, via mes cartes d’entrées, peut-être.

Il y a différents tarifs?

Oui: étudiants et chômeurs, c’est 7 euros et les autres c’est 10. En sachant que c’est un tarif dégressif. J’essaie de proposer des cartes par trimestre.

C’est une sorte de carte de fidélité? Tous les concerts sont au même tarif?

Oui, que ce soit un groupe connu ou pas. Un trio ou un Big Band. C’est toujours pareil.

Mais au fait, comment es-tu «tombé» dans le jazz?

Je me suis trompé de porte (rires). C’est arrivé par hasard. Par la médiathèque. Vers 13 ou 14 ans, à l’époque où l’on écoutait Sheila, Claude François et Hallyday. Après une pièce de théâtre donnée à l’école, on nous a annoncé l’ouverture de la médiathèque (que l’on appelait alors: «La Discothèque») à Namur. On pouvait emprunter des disques pour 5 francs en s’abonnant. Je suis depuis, abonné à vie… et gratuitement ! Je suis donc allé dans le but de trouver Claude François et Johnny. Seulement, sur place, il n’y avait pas ce genre d’artistes. Il y avait un rayon «classique» très important, un rayon «jazz» assez limité et un rayon « Blues » encore plus restreint. Et c’était tout. Alors, j’ai emprunté des disques d’artistes dont le nom me disait quelque chose: Armstrong, Ella Fitzgerald… Et puis, quand j’ai ramené les disques, l’animateur (c’est comme cela qu’on appelait les responsables de l’époque) m’a demandé ce que j’avais aimé. Quel album j’avais préféré. Et il m’a proposé d’écouter tels autres disques. Et à chaque fois, il me demandait si j’avais aimé ou pas et me conseillait d’autres disques. De fil en aiguille, je me suis intéressé au jazz. Puis je me suis abonné à Jazz Hot, histoire de pouvoir discuter plus «intelligemment» avec le gars. Puis après, c’était amusant à l’école: j’étais le seul à écouter du jazz. Les autres écoutaient du rock. Alors on s’engueulait. Mais on s’échangeait les disques… Puis, le jazz-rock est arrivé. Et là, rebelote, on s’engueulait encore plus : «C’est du rock ! Non, c’est du jazz !»… Bref, on s’amusait bien.

C’est amusant, car j’ai fait un peu pareil, sans savoir exactement ce que j’écoutais. Je voulais surtout entendre autre chose que ce que l’on entendait à la radio. J’écoutais des trucs rock, électro, ambiant, jazz, country… Et toi, Henriette, c’est pareil?

Henriette - Moi, je suis entrée dans le jazz beaucoup plus tard. J’écoutais beaucoup de chansons françaises ou du rock. Quand j’ai rencontré Philippe, il m’a fait découvrir pas mal de choses en jazz. Mais j’ai surtout apprécié  le jazz en allant avec lui aux concerts. Car je trouvais presque inaudibles certains disques de jazz que me faisait écouter Philippe. Alors qu’en concert, ça passait mieux. Le fait d’avoir les musiciens en face de soi, de voir comment ils jouent, comment ils se regardent… on comprend mieux leur musique. C’était inouï.

C’est toujours le problème de la médiatisation, en quelques sortes. Les gens restent chez eux et écoutent ce qu’on leur fourgue dans les oreilles à longueurs de journées. Peu font l’effort d’aller écouter autre chose. Et aller écouter du jazz dans un club, ce n’est pas toujours évident, surtout la première fois.

C’est pour cela que noter public est constitué de gens curieux. Il en faudrait plus, bien sûr. Mais la plupart viennent pour découvrir. Ils font confiance à notre programmation. Ce ne sont pas tous des férus de jazz, il y en a quand même, hein… Mais tous n’écoutent pas Philippe Baron en prenant des notes (rires).

Henriette -  Il y a aussi des gens qui viennent au concert sans savoir qui joue le soir même. Mais ils savent qu’ils ne vont pas être déçus. Ils nous font confiance.

C’est gratifiant pour un club d’entendre ça, non?  Quels sont tes autres projets?

Les Routes de L’Est. Celles de l’Est de la France qui vont du Jura Suisse à la communauté Française de Belgique, en passant par Epinal, Metz, Nancy et même le Luxembourg. L’idée est de faire tourner des musiciens de ces régions-là et de les faire se rencontrer. On a conclu un accord avec le conseil de la culture en France. Cela nous a permis de faire venir en résidence 3 musiciens Suisses, Emilien Tolk Trio,  à qui nous avons proposé de travailler avec Nicolas Kummert. Cela s’est concrétisé par un concert fabuleux. Tu t’imagines, travailler pendant une semaine ensemble! Maintenant on aimerait que ce trio/quartette tourne un peu partout. On y  travaille.  C’est un jazz moderne, dynamique qui peut bien passer dans les clubs. Nous avons des contacts avec Nancy Jazz Pulsation et avec Metz aussi. Pour Bruxelles, nous travaillons avec Jules Imberechts et Christine Rygaert. On a des contacts aussi du côté de Liège. Tout ça se met en place et c’est excitant.  Sinon, le rêve est d’avoir un endroit bien à nous, pour pouvoir plus facilement organiser des concerts selon le calendrier des groupes, ou pouvoir refaire des résidences. Je pense que les groupes de jazz sont demandeurs de cette formule. On y travaille.


A+

Je vous en avais déjà parlé: j’ai rencontré dernièrement Dee Dee Brigewater.
Hé bien voilà, vous pouvez lire son interview sur Citizen Jazz.

Dee Dee sera en concert au Bozar ce mardi 13.
Bonne lecture et... bon concert…

A+

Dans le cadre des Nuits Botaniques, Ibrahim Maalouf sera en concert au Cirque Royal le 14 mai, en première partie de Yaël Naïm.

Le trompettiste libanais remettra le couvert le 18 à la Cathédrale Sainte Gudule, avec une formule qui ne devrait pas être inintéressante non plus, puisqu’il se produira avec Murcof (bidouilleur mexicain de musique électro-ambiant) et l’Ensemble de Musiques Nouvelles (entendu dernièrement avec Comelade, Pierlé, Truffaz, Vodenitcharov, etc... lors de Babel Live.)

Ibrahim Maalouf, qui est le seul au monde à jouer de cette trompette unique (quart de ton) vient de sortir « Diasporas », un album à l’univers bien personnel (entre jazz, électro, rythmes orientaux et traditionnels) que je vous conseille.
Vous ne connaissez pas bien Ibrahim Maalouf ?
Alors, allez lire l’interview que j’ai réalisée pour Citizen Jazz.



Et puis, toujours sur Citizen Jazz, (ha ! ça bosse en ce moment, hein !?) vous pouvez lire ma chronique de l’album «Opening» de Marco Bardoscia.
C’est ici.
Frais, instantané et groovy, « Opening » est un très bon album.

J’avais vu Bardoscia et son groupe au Sounds il y a quelques mois déjà.
Un très bon souvenir.

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