19/09/2016

Charlier Sourisse Hertmans à l'Archiduc

C’était le troisième concert du trio Charlier Sourisse Hertmans.

Le troisième et le dernier. Pour l’instant !

En effet, après l’avoir écouter à l’Archiduc ce dimanche soir, on est en droit de se demander pourquoi l’aventure devrait s’arrêter là ? Et, entre nous, nos trois compères se posent la même question. Il se pourrait donc bien qu’il y ait une suite… On s’en réjouit déjà et on croise les doigts.

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On ne présente plus André Charlier (dm) ni Benoit Sourisse (orgue), l’une des rythmiques les plus infernales de l’hexagone. C’est bien plus qu’une rythmique d’ailleurs. Le duo joue ensemble depuis plus de vingt ans et a porté (et plus encore) les musiques de Didier Lockwood, J.J. Milteau, Captain Mercier, Michel Petrucciani, Jean-Marie Ecay ou Olivier Ker Ourio, pour ne citer que ceux-là… Autant dire que pour Peter Hertmans (doit-on aussi le présenter ?… Ode For Joe, Jean-Pierre Catoul, Greeting From Mercury, BJO, sans oublier son quartette…) c’est une aubaine formidable.

Le guitariste ne se fait donc pas prier pour plonger à pieds joints dans un très vitaminé « I Should Care » puis un « Something You Said », de son cru, tout aussi relevé.

André Charlier fait bourdonner ses fûts en mélangeant baguettes et balais, laisse résonner longuement les cymbales, fait claquer les rimshots… Ça sonne « profond ». Sa frappe est sèche, précise et déterminée. Ici, on ne se cache pas ! De son côté, Benoît Sourisse accentue les lignes de basse et fait s’envoler les harmonies. Il dose avec aisance la virulence et la douceur.

« How My Heart Sings » swingue fébrilement et rappelle que, même sous la mélancolie légendaire de ses ballades, Bill Evans swinguait méchamment, ce que l’on a tendance à oublier un peu vite. Ici, dès l’intro, l'évidence saute aux oreilles. Ça balance et ça groove. Mais ça voyage aussi, car ce thème est sinueux et vallonné, avec de douces accélérations et des suspensions tendues. De Bill Evans, il en est encore question avec « Tomato Kiss », écrit par Larry Schneider, qui figure sur l’album « Affinity » enregistré avec le regretté Toots Thielemans. Peter Hetmans démontre ici qu'il sait, lui aussi, faire monter la température. Il enchaîne les chorus avec frénésie et virtuosité. Quant à Sourisse, une fois encore, il ajoute un supplément de soul et enflamme l’ensemble dans un discours toujours plus élaboré, touffu et vif. Dans une telle frénésie, Charlier ne peut que faire éclater le final dans un solo fabuleux, très découpé et très imaginatif, sur un ostinato obsessionnel du guitariste. La claque !

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Le second set démarre sur chapeaux de roues avec un « Gravé dans la cire » de feu et un « Inner Urge » d'enfer. La rythmique maintient la pression, les lignes de basse de Sourisse, décidemment intenable, pousse Peter Hertmans à être encore plus incisif. Et Charlier monte en puissance avec toujours autant de lisibilité et de précision.

Alors on calme un peu le jeu. Le tempo chaloupé de « La belle Hélène » (de Kenny Wheeler) montre un Hertmans plus blues folk, presque « naturaliste », comme sur « Streched Nude ».

Et puis c’est reparti. « What Is This Thing Called Love » ( ?) est tonitruant et son final surprenant est plein de rebondissements. On mélange blues, jazz et presque du rock. Jusqu'au bout, jusqu’à la dernière note, le trio ne lâche jamais rien. Le plaisir est communicatif, chacun s’amuse à surprendre l’autre et à se découvrir un peu plus à chaque fois. Et jamais ils n'oublient le groove ni le swing. Espérons qu’ils n’oublient pas non plus de se retrouver bientôt et de remettre ça. Nous, on est déjà prêt.

A+

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18/09/2016

Igor Gehenot quartet feat. Alex Tassel - Marni Jazz Festival 2016

Après deux albums et plus ou moins six ans d’existence, Igor Gehenot a décidé de mettre au frigo son trio (avec Teun Verbruggen et Philippe Aerts) pour tenter une nouvelle aventure, en quartette cette fois, avec le batteur luxembourgeois Jérôme Klein, le contrebassiste suédois Viktor Nyberg et le bugliste français Alex Tassel.

Il présentait ce tout nouveau projet ce vendredi soir au Théâtre Marni.

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La salle est plongée dans le noir tandis que les musiciens s’installent. L’ambiance est très « nordique », spectrale et intimiste. Les notes de piano s’éparpillent doucement, en toute légèreté. Le son feutré du bugle vient dérouler un tapis ouaté.

Puis le groupe attaque un « December 15 » dont l’esthétique n’est pas sans rappeler celle d’E.S.T. Cette rythmique alerte et régulière permet à Gehenot de prendre de belles envolées et à Tassel de développer quelques motifs lumineux dont il a le secret.

On replonge ensuite dans une ballade crépusculaire et romantique (« Sleepless Night »), soutenue par une basse mystérieuse et un drumming douillet. On se rapproche un peu des errances milesiennes, nocturnes et légèrement mélancoliques… Une composition du batteur, introduite lestement par Viktor Nyberg, ravive un peu l’ensemble. Mais tout cela reste peut-être un peu trop compact, cela manque parfois d'éclats et de dynamique. Ça « joue tout le temps » et on voudrait (enfin, moi) un peu plus de respirations. Plus d’élan aussi… Igor et ses acolytes semblent encore hésiter entre deux mondes et, du coup, cela reste « simplement » joli, parfois trop attendu, sans trop de prises de risques. Bien sûr, le toucher d'Igor fait mouche, sur « Abyss » ou « Stay Tuned » notamment, et, sur « Stater Kit », quand les nuances sont plus maîtrisées, Tassel peut vraiment s'exprimer.

On sent le projet encore un peu frais, un peu nébuleux, cherchant encore son équilibre et une véritable identité qui se démarquerait plus clairement du trio.

Mais le quartette n'en est qu'à ses débuts - après tout, c’était le tout premier concert - et il aura encore l’occasion de jouer et d’aiguiser son répertoire. On se fera donc un plaisir de suivre son évolution. Cela n’en sera que plus excitant.

A+

Photo : ©Olivier Lestoquoit

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16/09/2016

Lorenzo Di Maio - Black Rainbow - Marni Jazz Festival 2016

Lorenzo Di Maio a le sens de la composition, on vient de s'en rendre compte avec la parution de son tout nouvel, et premier, album personnel Black Rainbow (chez Igloo). Mais il a aussi le sens de la scène.

On s’en est rendu compte lors du « release » concert de ce mercredi soir au Marni. On voit qu’il y a pensé, qu’il l’a mis en scène. Rien de bling bling ni de fake, rassurez-vous, mais une occupation simple et efficace de l’espace et une présence affable et sincère en contact direct avec le public.

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Après un premier morceau (« Détachement »), tout en atmosphère et en langueur, qui permet déjà d’entendre un sublime Nicola Andrioli au Fender Rhodes, le quintette enchaine aussitôt avec « No Other Way », plus incisif, claquant et nerveux, qui permet à Jean-Paul Estiévenart de marquer son territoire.

En deux morceaux, Lorenzo Di Maio a posé les bases de son univers équilibré entre tendresse et entrain, mélancolie et exaltation, sérénité et excitation. Mais cela ne se résume pas qu’à ça : la musique du guitariste n’est pas noire ou blanche, elle se décline en nuances de gris de toutes les couleurs. Et elle est partagée par un groupe d’excellents musiciens et amis qui trouvent tous la possibilité de s’exprimer librement… tout en suivant la ligne de conduite du leader.

Avec « September Song », on découvre encore une autre facette de Nicola Andrioli (allez écouter son jeu débridé avec Manolo Cabras, tendre avec Barbara Wiernik, ou pétillant avec Philip Catherine, et vous aurez un tout petit aperçu des talents de ce pianiste caméléon). Ici, il est virevoltant et inattendu et il attaque « sévère » en gardant toujours une extrême musicalité.

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Sur « Black Rainbow », qui donne le nom à l'album, c’est Cédric Raymond qui profite des grands espaces pour délivrer des solos de contrebasse pleins de tonicité.

Et puis il y a « Lonesome Traveler », construit sur base d’un ostinato qui s'efface au cours du morceau mais qui reste sous-jacent. C’est comme le rythme d’une locomotive qui ne s'arrête jamais et qui promène le groupe au travers de différents sentiments : la joie, l'émerveillement, le doute, l'excitation, la contemplation… Chaque musicien amène son histoire. Antoine Pierre, excellent de bout en bout, joue le chien fou dans un drumming « désarticulé », Cédric Raymond évoque le vent chaud et rassurant, Jean-Paul Estiévenart joue le curieux et l’optimiste, Nicola Andrioli se fait philosophe et sage, quant à Lorenzo Di Maio, il explore, s’émerveille, se réinvente.

On peut sans doute trouver des références à Bill Frisell, mais sur « Open D », par exemple, on trouve aussi des traces de blues et de jazz électrique, un peu comme si J.J. Cale avait rencontré la bande du Miles electric. « Santo Spirito », tissé de métriques complexes, fait d'accélérations et de virages à 180°, de solos fiévreux et d’un final explosif d’Antoine Pierre, rend hommage, lui, à l’oncle du guitariste : le batteur Santo Scinta. On conclura avec un « Back Home » langoureux et, en cadeau un inédit plein de fougue.

Il y a décidément beaucoup de maturité dans ce groupe et beaucoup de sensibilité aussi.

Black Rainbow mélange les influences blues, folk, rock et jazz dans une étonnante cohésion sonore. La musique est riche et variée, mais garde toujours une ligne de conduite bien définie. Même s’il ne se met pas plus en avant que les autres - pour toujours laisser toute la place à la musique - Di Maio possède bien la carrure d’un leader. On s’en doutait déjà un peu, mais on en a la confirmation. Et ce groupe a vraiment un bel avenir.

 

 

A+

Photos : merci ©Olivier Lestoquoit !

 

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15/09/2016

September Jazz à Bruges

September Jazz à Bruges, c'est un peu le mini festival qui lance la saison du jazz à Bruges et du Werf en particulier. On annonce pour cette fin 2016, par exemples, des concerts de Louis Sclavis, Urbex, Aka Moon, Barry Altschul, Joe Fonda, Nathalie Loriers et surtout une Label Night au Concertgebouw avec une pléiade de jazzmen maison (Kris et Bart Defoort, Trio Grande, Schnitzl, Chris Joris, MikMâäk, Steven Delannoye et d’autres encore…).

Mais revenons dans la cour de l'école primaire du Ganzenveer.

L'air est encore doux par cette belle soirée de septembre et il y a vraiment pas mal de monde. Sur la scène, dans le fond de la cour de récré, Too Noisy Fish a déjà entamé son set.

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Peter Vandenberghe (p), Kristof Roseeuw (cb) et Teun Verbruggen (dm) proposent une musique aux structures qui paraissent, si pas complexes, presque chaotiques. Les trois musiciens semblent rebondir et se cogner contre des murs invisibles. La musique vacille entre furie et folie contrôlée. A tout moment, elle peut prendre une autre route. Too Noisy Fish réalise une sorte de raccourci entre un bop effréné et un jazz contemporain aux accents rock non dénué d'humour (et qui n'aurait pas déplu à un certain Zappa) et font aussi références à Spike Jones ou aux musiques de vidéo games. Les arrangements et les effets parfois bruitistes sont très évocateurs et bâtissent des atmosphères qui définissent presque un cadre. Tout est musique et, avec ce jazz parfois très libre, presque abstrait, aux changements de tempos et de directions brusques, les trois musiciens se doivent d’être hyper complices. Ils peuvent ainsi donner vie à « Segmenten » (emprunté partiellement à Charlie Parker) ou entretenir le mystère de « PTMA » (Rosseeuw, excellent à l’archet) dans une dramaturgie sombre et un final rageur. « In Dust We Trust » profite d'un motif répétitif léger, tout en clin d'œil, qui laisse l'impro s'emparer finalement du morceau. Quant aux titres « Turkish Laundry » ou « Defenestration », ils parlent (presque) d’eux-mêmes tant cette musique est imagée.

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Le saxophoniste italien Francesco Bearzatti et son Tinissima Quartet présentent le nouvel album dédié, cette fois-ci, à Woody Guthrie. Après Malcolm X, Monk ou Tina Modotti, le groupe continu à mettre en avant ou à faire revivre la mémoire de personnages qui se sont battus, à leur manière, contre les dictatures, le racisme, le fascisme ou certains dogmes. Avec Woody Guthrie, la musique du quartette prend évidemment de nouvelles couleurs. Bien sûr, le country folk est très présent mais, comme à chaque fois, Bearzatti arrive à englober cela dans l'idiome jazz. Sur ces blues folk, il aménage des plages d'impros dans lesquelles Giovanni Falzone ou Bearzzatti lui-même peuvent laisser libre cours à leur imagination. Le trompettiste en profite un maximum, pour notre plus grand bonheur. Le son est hyper clair et brillant, et Falzone n’est pas avare d'effets growl ou d’effets de langue. Il répond à Bearzatti, va le provoquer, il prend la poudre d’escampette puis revient. Puis ce sont des duels entre trompette et sax où chacun envoie et surenchéri sur des tempos d'enfer. Bearzatti ne demande que ça, il accentue les intervalles, fait grincer son sax ou, au contraire, va fouiller dans les graves comme on creuse le sol gras pour chercher de l'or. Zenno De Rossi fait galoper sa batterie et Danilo Gallo accentue les effets bluesy avec ses cordes « lâches » et très vibrantes. « Dust Bowl », « Okemah », « One For Sacco And Vanzetti » nous font voyager à travers tous les États-Unis et dans toutes les époques. On imagine les étendues arides, brûlées par le soleil de l'ouest américain, on passe du blues au swing en faisant un crochet par le stride et le rock & roll. On pousse presque une pointe jusqu’à la Nouvelle Orléans. L’énergie fait parfois place à des moments légèrement plus apaisés, mais toujours tendus. Si il y a de la rage, il y a aussi des pointes d’amertume, de fatigue et de lamentations… qui redonnent pourtant de l’espoir. «This Land Is Your Land », le morceau emblématique de Guthrie pousse les deux soufflants à se mélanger au public qui chante et clappe des mains. Rien n’est perdu, il faut se battre et il faut fêter ça !

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La fête, c'est aussi Raf De Backer et son soul jazz, en trio avec Cédric Raymond et Dré Pallemaerts. On n’a pas si souvent l'occasion d’entendre Dré dans ce registre (on se rappelle quand même quelques concerts avec Eric Legnini) et il est, ici aussi, merveilleux et d’une efficacité redoutable. Il y a tellement de souplesse, de groove et de nuance dans son jeu, que c’en est presque incroyable. Du coup le jeu de Raf en est presque magnifié. On s'imagine être à l'époque des Ramsey Lewis et Les McCan. Cedric Raymond impose une basse chantante et ferme à la fois. Le toucher de Raf est brillant clair et vif. Sans avoir l'air d'y toucher, tout cela ondule avec sensualité. Il y a du relief dans chacun des morceaux, des nuances de bleu et d’orange. On reconnaît « Oh The Joy », « Joe The Farmer »… On reconnaît... car Raf ne parle pas au public et c’est bien dommage, car cela enlève peut-être un tout petit peu de la complicité que cette musique procure.

Il est tard, il y a encore du monde dans la cour de l’école, on prend un dernier verre et on se promet de revenir très vite du côté de Bruges.

A+

Merci à ©Willy Schuyten pour les photos !

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11/09/2016

Nathalie Loriers, Tineke Postma et Nic Thys au Marni Jazz Festival 2016

Retour au Théâtre Marni pour la troisième soirée du Marni Jazz Festival 2016. Je n’ai pas eu l’occasion d’assister au concert, la veille, de Denise King qui, d’après les échos que j’en ai eu, a mis « le feu » à un show entre jazz, gospel et soul… Tant pis pour moi.

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Ce vendredi soir, l’ambiance est bien plus feutrée, place au trio de la pianiste Nathalie Loriers, Tineke Postma (ts, ss) et Nic Thys (cb).

Tout commence en fragilité et douceur. Les doigts agiles de Nathalie frôlent les touches du piano et égrènent avec sensibilité « Luiza » d’Antonio Carlos Jobim. Tineke Postma effleure à peine la mélodie et joue les respirations avec une finesse remarquable. Entre elles, Nic Thys fait balancer doucement le tempo.

Avec cette bossa triste, c’est comme si on venait de déballer une boîtes de couleurs - des couleurs bien choisies - qui vont nuancer l’ensemble de la soirée.

Nathalie Loriers annonce alors qu’un nouvel album est en préparation, que l’enregistrement est prévu dans les jours à venir et que ce concert est l’occasion de présenter et répéter une dernière fois les nouvelles compositions avant d’entrer en studio. Voilà une bonne nouvelle.

On découvre donc « Everything We Need », une composition inspirée de Lennie Tristano. Tineke Postma expose le thème, tisse les harmonies et emballe les mélodies, puis laisse la place à Nathalie Loriers. Le jeu est d'une extrême clarté. Les notes s'enfilent les unes aux autres sur un swing tout en décalage et en relief. La pianiste n’a pas peur du vide. Il faut dire qu’il y a autant de musique dans ses silences et ses retenues que dans ses accords, et que tout cela renforce indéniablement la tension et la brillance. La musique circule, bouge, s’échange. C’est intelligent et évident à la fois. Nic Thys conclut en reprenant une dernière fois le thème. Il brode, invente et s'envole encore. Tout y est ! C’est un modèle de composition comme on n'en fait plus ! Et, oui, on ressent l’esprit, la science et toute la liberté que donnaient à entendre Tristano, Warne March et Lee Konitz à l’époque... la contemporanéité en plus.

Le trio s’inspire aussi, avec une certaine logique, de Clare Fischer. « And Then Love Comes » se fait mystérieux, sensuel et crépusculaire. Le genre de musique qui tangue et titube légèrement. Une musique dans laquelle on imagine les dernières lueurs d'un bar qui va fermer, une ville presque endormie dans laquelle on a encore envie de déambuler pour ne pas rentrer chez soi où, de toute façon, personne ne vous attend... Ambiance.

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« Take The Cake » est beaucoup plus nerveux et optimiste. Plus bop peut-être. Un peu à la « St Thomas » de Sonny Rollins, aussi. Le piano et le sax jouent au chat et à la souri tandis que la contrebasse entretient les fausses pistes.

« Dansao », qui fait à nouveau un clin d’œil à la bossa, est enlevé et joyeux, tandis que « We Will Meet Again » ramène le trio vers l’introspection et le recueillement.

Oui, ce prochain album promet !

Bien sûr, ce soir, il y avait aussi des morceaux plus anciens, comme ce « Canzoncina » dans lequel Tineke Postma, au soprano, virevolte avec aisance. Une sorte de fausse valse, lumineuse et sinueuse à souhait, faite d’accélérations douces qui amènent les musiciens à improviser sur des chemins inconnus. Puis, il y a aussi une version sublime du « Peuple des silencieux » (morceau qui avait donné le nom à l’album précédent). Cette ballade élégiaque, légèrement triste et d'un romantisme exempt de sentimentalisme appuyé, est tout bonnement sublime. Il y a comme une fatalité, une évidence, dans le discours. Chaque musicien construit vraiment le morceau, aucun solo ne sert de « remplissage » ou ne sert d’espace pour rouler des mécaniques. Ici, tout a un sens. Une belle leçon.

Le trio, et celui-ci en particulier, va vraiment très bien à Nathalie Loriers. On la sent plus libérée que jamais. On sent toute la limpidité du propos et l’objectif de la musique. On sent toute la complicité et le bonheur de jouer ensemble. Et on sent que tout le monde est sur la même longueur d’ondes.

Ça tombe bien, nous aussi.

 

 

A+

Merci à Olivier Lestoquoit pour les images !

 

 

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19:16 Écrit par jacquesp dans Musique | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : marni, nathalie loriers, tineke postma, nic thys |  Facebook |

10/09/2016

Jef Neve Solo - Marni Jazz Festival

Après la basse, le sax ou la guitare, c'est le piano qui est à l'honneur au Marni Jazz Festival cette année. Et pour donner le coup d’envoi de l’édition 2016, un concert en solo s’imposait. Et Jef Neve était tout désigné.

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Le pianiste belge a roulé sa bosse un peu partout autour du monde, dans diverses configurations : en trio avec Teun Verbruggen et Piet Verbist, en duo avec Pascal Schumacher ou José James, mais aussi en octet avec un band de soufflants (« Sons Of The New World »). Il a aussi écrit pour le cinéma (« In Flanders Fields » ou « La merditude des choses ».) On l’a vu entouré d’un orchestre symphonique dans un registre de musique classique… Bref, Jef est plutôt actif et avide d’expériences nouvelles.

One est son premier album solo, sorti fin 2014 déjà. Le solo, c’est le passage quasi obligé et une épreuve pas toujours évidente pour un pianiste, que Jef Neve a surmonté avec grand brio, élégance et sensibilité.

Il est huit heures, place au live.

Dans une ambiance toute bleutée et intimiste, le musicien s’installe, tout sourire, devant le grand piano. Il plonge la tête dans le clavier et les mains dans les cordes. L’intro est grondante, grave et intense. Puis, subtilement, le thème de « Lush Life » apparaît, joué avec emphase, presque Gershwinien. Comme sur l’album, on est impressionné et séduit par le chemin qu’il fait prendre à ce morceau emblématique. « Could It Be True » opère un peu sur le même principe et révèle totalement la « Neve Touch » : un lyrisme dans les arrangements, des fulgurances rythmiques, des accords ornementés avec élégance, de la légèreté qui côtoie la noirceur.

Le pianiste donne tout ce qu’il a, il tape du pied pour marquer le tempo, il n’hésite pas à se lever de son tabouret pour accentuer certains passages, il s’accompagne même en sifflant la mélodie. Son jeu est très physique. Il provoque la tempête puis calme les ardeurs, fait des allers et retours entre un jazz « big band » et la musique symphonique.

Et puis vient sa version de « I Mean You » de Monk. Un pur bonheur. La musique s’offre comme dans un striptease. Elle démarre avec puissance et exubérance puis s’effeuille petit à petit pour dévoiler le thème dans une sorte de ragtime des plus dépouillés ! Joli tour de force.

Jef est charismatique et aussi très pédagogue. Il communique beaucoup avec le public, donne son point de vue sur la société, explique ses choix, partage ses sentiments. « A Case Of You » de Joni Mitchell, « Bluesette », en hommage à Toots, ou encore « The Tree Through The Wall » n’en sont que plus touchants. Parfois, il joue aussi sur un motif de percussions samplé ou s’amuse avec les lumières et l’espace. Il refuse un certain conformisme. Tant mieux. Et en rappel, son « Formidable », emprunté à Stromae, nous laisse d’ailleurs presque sans voix.

Jef Neve est un raconteur d'histoires, un musicien ancré dans la société actuelle avec un pied dans le romantisme des années folles, et il dégage toujours cette petite lueur d'optimisme et d’espoir dans des musiques parfois sombres et souvent voluptueuses...

Franchement, de la belle ouvrage.

 

Jef Neve recording 'One' at Abbey Road Studios from Hotmilk Films on Vimeo.

 

Photo : merci à Olivier Lestoquoit

A+

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00:45 Écrit par jacquesp dans Musique | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : marni, jef neve, one |  Facebook |

06/09/2016

Jazz Contest Mechelen - 2016

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Mais qu’est ce qui m’a pris d’avoir accepté d’être membre d’un jury pour un concours ?

Remarquez, je l’ai déjà fait quelques fois et… oui, j’aime ça.

Chaque fois c’est excitant, car on découvre des musiciens, des talents, de belles personnes. Et puis, on s’oblige à aiguiser une oreille critique. Mais ce n’est pas toujours simple. D’ailleurs, ce n’est jamais simple !

Il y a autant de jazz qu’il y a de musiciens ! Autant comparer des pommes et des poires.

Bien sûr, il y a des choses que l’on aime spontanément et d’autres un peu moins. Question de goût. Mais, lorsque l’on est dans un jury, il faut pouvoir aller au-delà de ça. Et remettre le compteur à zéro.

Alors, quand il faut désigner un « vainqueur », c’est souvent un déchirement. Ha ! Si seulement il y avait un, et un seul, très bon groupe ou très bon musicien ! Et en face, des mauvais, des très mauvais, ce serait facile. Mais non, le niveau est souvent très élevé. C’est qu’ils jouent bien tous ces jeunes ! Alors, on voudrait que tout le monde gagne, comme chez Jaques Martin (pour les plus vieux d’entre nous qui connaissent) ! Et si, en plus, il n’y a qu’un seul prix (pas de récompense pour le deuxième ni troisième) c’est encore plus terrible.

Cette année, comme il y a deux ans et comme l’année dernière, je participais au Jazz Contest Mechelen. Un concours organisé par la fine équipe de Jazzzolder. Et quand on dit « organisé », c’est vraiment « organisé » ! Tout est parfait, tout est réglé, tout est prévu et l’accueil, tant pour le jury que pour les candidats et le public, est un exemple. Un vrai bonheur.

Cette année, il y avait devant le jury (Anne Wolf (p), Ondine Quackelbeen (Jazz Studio), Mik Torfs (JazzLab Series), Patrick Bivort (Jazzmozaiek, RTBF), le président Chris Joris (perc) et moi) quatre groupes issus des demi-finales (qui s’étaient déroulées quelques mois auparavant). Chacun d’eux avait 30 minutes pour convaincre.

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Fhree est un trio venu tout droit de Hollande. Ils avaient plutôt fait bonne impression lors des « éliminatoires ». Mais ici, ce soir, on les sentait peut-être un peu fébriles. Cela n’a pas vraiment décollé. Même si l’on remarquait quand même les très bons solos du guitariste Jheynner Argote-Frias, le drumming de Guillermo Martin Viana ou quelques belles phrases de Fernan Mejuto Vazquez (keys).

Vortex ensuite, quant à lui, est rentré directement dans le jeu. Un set puissant, dynamique, une attitude sur scène parfaite. Des compos brillantes, qui font un clin d’œil à Ornette Coleman ou à Miles, un pianiste plein de personnalité (Alan Van Rompuy obtiendra d’ailleurs le prix du meilleur soliste), un leader charismatique au jeu bien déterminé (le trompettiste Aristide D’Agostino) et un ensemble qui tient la route (Joos Vanduren au sax, Emmanuel Van Mieghem à la basse et Olivier Penu au drums). Bref un groupe soudé, un jazz généreux et évident.

Il y avait aussi JE Trio (Johannes Engelhardt à la basse, Paul Janoschka au piano et Jonas Kaltenbach aux drums) venu d’Allemagne. Une exécution parfaite, un niveau assez bluffant. Peut-être juste un poil rigide ? Des compos excessivement bien écrites et superbement exécutées. Il manquait peut-être cette toute petite pointe de lâcher prise, de décontraction qui aurait rendu ce jazz encore plus touchant.

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Touchant, c’était le cas de la pianiste Marie Fikry et son quintet. Une belle présence, un jeu très fluide au piano, des compos originales qui flirtent parfois avec la musique du monde. On remarque aussi un percussionniste plutôt prometteur, Simon Leleux, Jordi Cassagne (cb), Artur Hitz (sax), Lucas Venderputten (dm). Une bien belle équipe en fait. C’est du bonheur et de l’intelligence qui flotte dans l’air.

Alors le jury se retire, discute, délibère. Longuement, intensément. Il y a des évidences. Et des doutes. Pas simple. Pas le temps d’écouter Jelle Van Giel Group qui passe sur scène pendant ce temps-là.

Il ne faut qu’un seul gagnant… Et ce sera Vortex.

On est tellement content pour eux. Et tellement frustré de ne pas pouvoir « offrir » d’autres prix aux autres.

Alors, retenez les noms de JE Trio, de Marie Fikry, de Fhree et Vortex bien sûr. Et allez les écouter. Allez les applaudir. Vous verrez, vous ne serez pas déçu.

Et votre présence sera certainement leur plus belle récompense.

 

A+

Pictures : ©silvdbphotography

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04/09/2016

Sons Of Kemet - Feeërieën Brussels

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Mercredi 24 août, Parc de Bruxelles, il fait un peu lourd, mais une légère brise rend la soirée bien agréable. Avec ce très beau temps, et malgré un service de sécurité un peu renforcé, qui reste quand même sobre et discret, les Feeërieën, organisées par l’AB, attirent pas mal de monde. Et c’est, culturellement parlant, plutôt rassurant. On a laissé en dehors de la zone les centaines de chasseurs de Pokemon Go, les yeux rivés sur leurs Smartphones, et on attend tranquillement, assis dans l’herbe ou sur un banc, Sons Of Kemet.

Vers 20h30, le monde s'agglutine un peu plus encore autour du kiosque quand les quatre Enfants de l’Ancienne Egypte (Shabaka Hutchings (ts), Theon Cross (tb), et les deux batteurs, Sebastian Rochford et Tom Skinner), montent sur scène. Formé vers 2012 ce groupe anglais mélange autant le jazz, le rock, la musique des îles, la musique éthiopienne que celle de La Nouvelle-Orléans.

Soutenues par le tuba haletant et un double drumming obsessionnel, les premières phrases du sax sont courtes, hachées et nerveuses. La musique bourdonne et vibre comme si il y avait une invasion de criquets. Puis le tuba rugit comme un éléphant qui charge. La machine est lancée. Elle s'emballe. Les pulsations s'accélèrent.

On reconnaît peut-être « Breadfruit » ou « In Memory Of Samir Awad » et son rythme chaloupé. Mais l’esprit festival en plein air et le retour du public, plutôt chaud, attisent la ferveur musicale.

Le tuba répond au sax qui crache et hurle. Les deux batteurs frappent de plus en plus fort, à l’unisson ou en contrepoint. Ça gronde. Ça sonne autant Fela Kuti que The Thing de Mats Gustafsson. Afrobeat, makossa, free jazz, tout se mélange sans aucun temps mort. Une intro au tuba, jouant sur les infra basses, fait remonter à la surface les rythmes tribaux, ceux qui nourrissent les racines d'un jazz ancestral qui ne fera le voyage vers les States que bien plus tard.

Sons Of Kemet nous envoient à la figure un « Tiger » (?) convulsif, un « Inner Babylon » puissant et d’autres morceaux dans une même rage furieuse. Puis, on fait de la place à un morceau plus venimeux, qui devient vite entêtant. Il résonne comme une transe africaine, comme un exorcisme. Et la fanfare se remet à rugir de plus belle et à exulter aux sons de « In The Castle Of My Skin » ou « Play Mass »…

La scène est bleue, rouge, jaune, le public tremble et saute sur ces rythmes effrénés. C’est la fête au gros son et au « lâchage ». C’est la fête et ça libère. Ces quatre-la sont une fanfare africaine à eux seuls.

Sons Of Kemet seront de retour à Flagey, en janvier de l’année prochaine. En attendant, vous pouvez toujours vous mettre dans l’oreille leurs albums : Burn ou Lest We Forget What We Came Here To Do.

A bon entendeur…

 

 

A+

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